PARADISE LOST - ICON 30th

ANATHEMA - DREAMING LIGHT

Pocas bandas como Anathema vivieron tantas transformaciones y dificultades internas para salir adelante y a pesar de todo lograron ser una referencia en aquellos primeros años 90 del doom metal junto a Paradise Lost y My Dying Bride, pero que dejaron atrás para adentrarse en caminos que abiertos legados por algunas bandas progresivas, en especial, una a la que respetaban por antonomasia, que no fue otra que Pink Floyd, pero aportando su sello distintivo procedente de la música Dark y pasajes acústicos e instrumentales cargados de sentimiento y sobre todo de una sensibilidad musical, que les distinguía en la escena musical. No en vano, las temáticas que trataban en sus letras reflejaban dicha transformación interior de cuanto les rodeaba como banda traduciéndolo a composiciones sublimes de discos legendarios como Judgment (1999), A Natural disaster (2001),  We´ ´re here because we´ ´re here (2010) o Weather systems (2012). La banda ya vivió la escisión de varios de sus miembros en diferentes épocas lo que les obligó a reinventarse con un nuevo y una nueva cantante que a la postre acabó definiendo su sonido completando las funciones vocales con el segundo de los hermanos Cavanagh. Una banda singular donde las hubiera ya que tres de sus componentes eran hermanos, por un lado y otros dos componentes lo eran entre sí. Además tenían un 6º miembro que se complementaba con el batería para intercambiar las funciones de batería y teclista. Después de una gran crisis en 2002, la banda volvió en 2003 con un álbum depurativo pero complejo en su propuesta y en su escucha pero necesario para que la banda regresara con fuerza tras el bello álbum acústico recopilatorio de 2008, are you there? con dos álbumes (2010 y 2012) que definitivamente asentaban su sonido revestido de samples, libertad creativa, guitarras acústicas, canciones cantadas a dobles voces y un sin fin de registros que enriquecían su sonido. Tras esta etapa de esplendor creativo la banda probó poco a poco nuevas inspiraciones, incluyendo bases del trip hop en algunos de sus temas y enfocando su sonido aún más al rock progresivo. Pero desagradecidamente la crisis sanitaria de 2020 barrió todos los proyectos que tenían en marcha como fue la grabación de un disco con un nuevo sello y la cancelación de la gira entera, cuando ya tenían adelantada la inversión. Fue una de las primeras bandas del rock reconocidas que puso a disposición de los fans canciones demos gratuitas a través de su web, animándoles a sufragar la grabación de uno de sus discos con crowdfunding. Anathema siempre será recordada por su capacidad de componer e interpretar sonidos capaces de tocar las emociones humanas más sensibles y sutiles, como la amistad, el despertar de la consciencia, la resiliencia, el desapego, el duelo o la conexión espiritual, en parte gracias a su gran cantante Vincent Cavanagh, las composiciones de su hermano Daniel y el contrapunto vocal de la talentosa cantante Lee Douglas. Desde un enfoque taoísta Anathema representa el elemento o reino mutante del agua, capaces de fluir y seguir a pesar de todas las dificultades e infortunios. Una banda maravillosa que se despidió sin despedirse, hecho que alberga en sus fans la esperanza de que vuelvan algún día como lo hicieron en 2003 o en 2008. La mejor banda sonora para un viaje en tren o para correr por la playa al atardecer. En este caso es justo decir que la música les debe mucho a Anathema. Ojalá regresen!

Few bands like Anathema experienced so many transformations and internal difficulties to get ahead and despite everything they managed to be a reference in those early 90s of doom metal together with Paradise Lost and My Dying Bride, but they left behind to delve into paths that were opened by left by some progressive bands, in particular, one that they respected par excellence, which was none other than Pink Floyd, but contributing its hallmark from Dark music and acoustic and instrumental passages full of feeling and above all a musical sensitivity that distinguished them on the music scene. Not surprisingly, the themes they dealt with in their lyrics reflected this internal transformation of what surrounded them as a band, translating it into sublime compositions on legendary albums such as Judgment (1999), A Natural disaster (2001), We´ ´re here because we´ ´ re here (2010) or Weather systems (2012). The band has already experienced the split of several of its members at different times, which forced them to reinvent themselves with a new singer who ultimately ended up defining their sound, completing the vocal functions with the second of the Cavanagh brothers. A singular band where there were  three of its components are brothers, on one hand, and on the other hand, two other components were brothers to each other. They also had a 6th member who was complemented by the drummer to exchange the duties of drummer and keyboardist. After a great crisis in 2002, the band returned in 2003 with an album purifying but complex in its proposal and in its listening but necessary for the band to come back strong after the beautiful acoustic compilation album of 2008, are you there? with two albums (2010 and 2012) that definitely established their sound covered in samples, creative freedom, acoustic guitars, songs sung in double voices and endless records that enriched their sound. After this period of creative splendor, the band gradually tried new inspirations, including trip hop bases in some of their songs and focusing their sound even more on progressive rock. But unfortunately, the health crisis of 2020 swept away all the projects they had underway, such as the recording of an album with a new label and the cancellation of the entire tour, when the investment was already done in advance. They were one of the first well-known rock bands to make free demo songs available to fans through their website, encouraging them to crowdfund the recording of one of their albums. Anathema will always be remembered for their ability to compose and perform sounds capable of touching the most sensitive and subtle human emotions, such as friendship, the awakening of consciousness, resilience, the let go, mourning or spiritual connection, thanks in part to her great singer. Vincent Cavanagh, the compositions of his brother Daniel and the vocal counterpoint of the talented singer Lee Douglas. From a Taoist approach, Anathema represents the element or mutant kingdom of water, capable of flowing and continuing despite all difficulties and misfortunes. A wonderful band that said goodbye without saying goodbye, a fact that their fans hope that they will come back one day like they did in 2003 or 2008. The best soundtrack for a train trip or for a run on the beach at sunset. In this case it is fair to say that the music owes a lot to Anathema. I wish they come back!

THE HALO EFFECT -THE LAST OF OUR KIND

As if it was a epiphany, 5 former members of one of the pioneering bands on the Göteborg scene and for the first time in the music history, progressively sublimated their ideas during the lockdown to give birth to one of the most anticipated albums since the colossal Colony from 1999 and its sequel Clayman (2000). The creative capacity concentrated on this album is of such magnitude that it challenges us to listen to its endlessly chained structures throughout 10 songs (11 in the Japanese version) and that demanded a total and not partial listening. The ingredients that these architects of sound pour like magicians of a symphony in each of the tracks are legendary in the diversity of nuances, in the force with which they print the songs, in the compositional turns or in those passages or interludes in the form of intros, outros, codas, links, double harmonies or acoustic passages as if they were songs within other songs, in tracks like The Needless end, Conditional, Gateways, A Truth worth Lying for, Last of our kind or The most alone and that takes us back to the golden age of In Flames on albums and EPs like Lunar Strain, Subterranean, Black Ash Inheritance, Jester Race or Whoracle. And it is that, any masterpiece that lends itself requires that the intensities, that´s it, the yin and the yang, balance themselves. This masterpiece induces us to breathe all the aromas of the genre through the styles that its components developed in their respective bands. The holding and procedural riffs of Gardenian and Passenger, on songs like Shadowmind, In Broken trust or The most Alone, the rhythmic phrasing of Dimension Zero with hints of Hypocrisy on songs like The Last of Our Kind, the double harmonies and up tempos of In Flames, Dark Tranquility and the speed of At The Gates on songs like Days of the Lost, The Needless End, Feel what I believe, or Conditional bring us back to the magic of Colony. The song Days of The Lost represents an outbreak of authentic optimism within the general melancholic atmosphere of the album but that knows how to pick up and welcome the listener as harbour or haven to which to return to take refuge. The union of forces gives us the Strömblad-Engelin guitar pairing, as well as the Iwers-Svensson rhythmic bastions, no one better than them to pick out those bases that make all the mechanics flow like the energy of the universe. And of course, the inconmensurable Stanne, establishing himself as one of the best vocalists on the scene of all time, whose unmistakable voice shines more than ever, supported by the presence of a wall of guitars as in the past on albums like The Gallery, The Mind's I o Character elevating the strength and emotional projection of each song and delighting us with his own voice in sustained emotion as he did on Projector, on songs like In Broken Trust. The listener has the feeling of choosing a favorite song with each listen. Despite the fact that the critics took a week to recognize the surrounding merit for the quality of their compositions, we find ourselves facing an historical album, already a timeless classic and surely remembered as one of the best albums on the music scene of 2022, and with signs of new installments in the future. All the mythical albums that are lent themselves to, always presented balance, simplicity and ease of communication among their credentials, like that solo from Days of the Lost that remains engraved in the listener for posterity. If you have decided to go running, this record will make you fly with each stride while the rays of the sun hit your face full of joy and hope. From a Taoist vision fire and water follow each other in a meandering way through the wood of a resistant bamboo. The Halo Effect makes us dream again after 22 years of waiting in which many fans felt the emptiness of those vestiges of the last Clayman song, Another Day Quicksand, which could not be closed forever, and so it has been. In addition, the production and mixing and mastering team formed by Oscar Nilsson and Jens Bogren and Tony Lindgren make the songs take off into the stratosphere, making the result unbeatable. Temple of the dog in 1991 took the baton of the best bands of that time in Seattle. In 2022 the Swedish melodic death dream team returns as if it were the community of the ring, a community made up of so many fans. May they go on to sound as if they were The Last of Our Kind...As Stanne/Heafy scream...

Como si de una quimera se tratase, 5 ex componentes de una de las bandas pioneras de la escena de Göteborg y por primera vez en la historia, sublimaron sus ideas progresivamente durante el confinamiento para dar a luz a uno de los discos más esperados desde aquel colosal Colony de 1999 y su secuela Clayman (2000). La capacidad creativa concentrada en este disco es de tal magnitud que nos interpela a escuchar sus estructuras encadenadas sin fin a lo largo de 10 canciones (11 en la versión japonesa) y que demandaban una escucha total y no parcial. Los ingredientes que vierten estos arquitectos del sonido como magos de una sinfonía en cada uno de los cortes son legendarios en la diversidad de matices, en la fuerza con la que imprimen a los temas, en los giros compositivos o en esos pasajes o interludios en forma de intros, outros, codas, enlaces, dobles armonías o fases acústicas como si fueran temas dentro de otros temas, en canciones como The Needless end, Conditional, Gateways, A Truth worth Lying for, Last of our kind o The most alone y que nos retrotrae a la época dorada de In Flames en álbumes y EPs como Lunar Strain, Subterranean, Black Ash Inheritance, Jester Race o Whoracle. Y es que cualquier obra maestra que se preste requiere que las intensidades, el yin y el yang se equilibren a sí mismos. Esta obra maestra nos induce a respirar todos los aromas del género a través de los estilos que sus componentes desarrollaron en sus respectivas bandas. Los riffs sostenidos y procesuales de Gardenian y Passenger, en temas como Shadowmind, In Broken trust o The most Alone, los fraseos cadenciosos de Dimension Zero con ápices de Hipocrisy en temas como The Last of Our Kind, las dobles armonías y up tempos de In Flames, Dark Tranquillity y la velocidad de At The Gates en temas como Days of the Lost, The Needless End, Feel what I believe, O Conditional nos devuelven a la magia de Colony. El tema Days of The lost supone un brote de un auténtico optimismo dentro de la atmósfera melancólica del álbum pero que sabe recoger y acoger al oyente como un puerto al que volver a refugiarse. La unión de fuerzas nos regala al binomio de guitarras Strömblad-Engelin, así como a los bastiones rítmicos Iwers-Svensson, nadie mejor que ellos para entresacar esas bases que hacen que toda la mecánica fluya como la energía de universo. Y como no, el inconmensurable Stanne, erigiéndose como uno de los mejores vocalistas de la escena de todos los tiempos cuya inconfundible voz brilla más que nunca secundada por la presencia de una muralla de guitarras como antaño en discos como The Gallery, The Mind´s I o Character elevando la fuerza y la proyección emocional de cada canción y deleitándonos con su propia voz en una emoción sostenida como lo hizo en Projector, en temas como In Broken Trust. El oyente tiene la sensación de elegir una canción favorita en cada escucha. A pesar de que la crítica tardó una semana en reconocer el mérito circundante por la calidad de sus composiciones, nos encontramos ante un disco histórico, siendo ya un clásico atemporal y recordado a buen seguro como uno de los mejores discos del panorama musical del 2022, y con visos de nuevas entregas en el futuro. Todos los discos míticos que se presten siempre presentaron entre sus credenciales el equilibrio, la sencillez y la facilidad para comunicar como ese solo de Days of the Lost que queda grabado en el oyente para la posteridad. Si has decidido salir a correr este disco hará que vueles en cada zancada mientras los rayos de sol inciden en tu rostro lleno de júbilo y esperanza. Desde una visión taoísta Fuego y agua se suceden entre sí de manera serpenteante a través de la madera de un resistente bambú. The Halo Effect nos hacen soñar de nuevo tras 22 años de espera en la que muchos fans sentíamos el vacío de aquellos vestigios de la última canción del Clayman, Another Day Quicksand, que no podían cerrarse para siempre, y así ha sido. Además, el equipo formado por Oscar Nilsson y Jens Bogren en la producción y mezcla hacen que los temas despeguen a la estratosfera, haciendo insuperable el resultado. Temple of the dog en 1991 recogió el testigo de las mejores bandas de aquel momento en Seattle. En 2022 el dream team del death sueco melódico regresa como si fuera la comunidad del anillo, una comunidad formada por tantos y tantos fans. Que sigan sonando como si fueran The Last of Our Kind...como gritan Stanne/Heafy...

NOVEMBRE - UMANA

Pocas banda podrán gozar del carisma de esta única e inescrutable banda que se adentra en las emociones más delicadas del ser para serpentear a través de armonías atemporales pasajes sonoros de una belleza incomparable. Surgida de las cenizas un proyecto anterior a mediados de los 90 y devota del arte novecento de la Italia de los años 20, emergió en la escena del death/doom metal melódico progresivo con tintes góticos junto a bandas coetáneas como Opeth o Katatonia con las que compartió escenario en giras europeas. La aproximación musical de Novembre nunca transitó lugares comunes, más bien tanto sus acordes atmosféricos como sus letras evocaron escenarios oníricos, esfuerzos personales de superación a desafíos existenciales, la quintaesencia del romanticismo, paisajes coloridos y perpetuos de estaciones, conexión con la naturaleza y la defensa del mundo animal., Pero el equilibrio dentro y fuera de la banda no fue una constante, con la entrada y salida de miembros, el cambio de paradigma del mundo discográfico con el impulso de la digitalización musical y las dificultades de encontrar un sello que les diera continuidad hicieron que la banda entrara en un silencio musical después de la publicación de bluecracy de 2007, regresando 9 años después con el magnificente URSA. Atrás quedó en la retina aquel superlativo Novembrine Waltz de 2001, con un sonido arrollador y unas estructuras y desarrollos que atrapaban desde el primer segundo. Con el tiempo ocuparon un espacio que no ha sido cubierto por ninguna otra banda ni por giros de su género musical. Cuando sales a correr con esta banda, la mirada permanece fija en el horizonte más alejado mientras las imágenes de aves migratorias, oleaje suave, otoños memorables o el azul del agua en sus profundidades inspiran cada zancada. Sin duda una banda de culto que conecta con la dinámica energética del agua con tonalidades de metal y que en cualquier mañana o tarde otoñal/invernal será sin duda la mejor compañía musical para recorrer los confines de tu ciudad. 5 años han pasado desde su última obra, la única en 13 años pero su estado sigue activo, y sus últimos conciertos se remontan a 2019. Os esperamos de vuelta algún día porque vuestra música es un regalo para el alma, eterna e infinita.

Few bands will be able to enjoy the charisma of this unique and inescrutable band that delves into the most delicate emotions of being to wind through timeless harmonies sound passages of incomparable beauty. Emerged from the ashes of a previous project in the mid-90s and devoted to the art of Novecento from the Italy of the 20s, they emerged on the scene of progressive melodic death / doom metal with gothic overtones together with contemporary bands such as Opeth or Katatonia with whom shared the stage on European tours. Novembre's musical approach never went through common places, rather both its atmospheric chords and its lyrics evoked dreamlike scenes, personal efforts to overcome existential challenges, the quintessence of romanticism, colorful and perpetual landscapes of seasons, connection with nature and defense of the animal world. But the balance inside and outside the band was not a constant, with the entry and exit of members, the change in the paradigm of the recording world with the impulse of musical digitization and the difficulties of finding a label that would give them continuity made the band enter into a musical silence after the 2007 release of bluecracy, returning 9 years later with the magnificent URSA. Engraved in the mind was that superlative Novembrine Waltz from 2001, with an overwhelming sound and structures and developments that caught from the first second. Over time they took up a space that has not been covered by any other band or by twists of their musical genre. When you go for a run with this band, your gaze remains fixed on the far horizon while images of migratory birds, gentle waves tantrum, memorable autumns or the blue of the water in its depths inspire each stride. Undoubtedly a cult band that connects with the energetic dynamics of water with metal tones and that on any morning or autumn / winter afternoon will be certainly the best musical company to run the confines of your city. 5 years have passed since their last work, the only one in 13 years but their status is still active, and their last concerts date back to 2019. We hope to see you back one day because your music is a gift for the soul, eternal and infinite.

Retomamos la actividad del blog de manera especial aprovechando la salida reciente del último disco de Gojira ´Fortitude´ cuyo repertorio presenta elementos que evocan a Sepultura y que de alguna manera homenajea la etapa más gloriosa de la banda brasileña. Hacía tiempo que queríamos recordar y rendir tributo a su opus creativo que no es otro que el álbum de 1993 Chaos A.D. y que fue grabado en los estudios Rockfield de Gales (UK) donde otras bandas como Black Sabbath, Rush,  Motörhead, Judas Priest, Opeth o Coldplay también registraron sus canciones. Cuando alguien escucha este disco tiene la sensación de que es un disco de grandes éxitos, pero curiosamente la banda de Belo Horizonte, fue capaz de amplificar su capacidad creativa hasta el infinito en un larga duración que recibió críticas positivas y de admiración de manera masiva con una calificación de 10/10 en cada crítica musical. Por aquel entonces, el groove metal con toques thrash exhibió su máxima representación con cuatro agrupaciones que lideraron los festivales de el mundo, nos referimos a Sepultura, Pantera y Fear Factory y Machine Head justo cuando el big 4 (Metallica, Megadeth, Anthrax y Slayer) se tomaba un descanso compositivo después de una década de los 80´ vertiginosamente intensa y también el movimiento grunge comenzaba a dejar su espacio en los medios y en las emisoras de radio. Aunque Pantera y Sepultura también procedían de aquella etapa supieron reinventarse con un sonido más contemporáneo y enérgico introduciendo tonalidades más modernas y fluidas canalizadas a través de los nuevos productores de sonido de comienzos de los 90´ que los convirtieron en los estandartes del metal sin lugar a ningún género de dudas y que propició movimientos musicales posteriores como el Nu metal, thrascore, o el crossover. El comienzo de Chaos A.D. con ese latido de corazón del hijo de Max Cavalera es una declaración de intenciones de que todo el material posterior iba a estar dominado por la fuerza, el coraje, la energía, la viveza y el apasionamiento en cada uno de los compases. Como si la vida se abriera paso a través de cada composición. Sepultura dejaba atrás un gran álbum como Arise con sonido de la Tampa Bay  Area y con letras de mayor abstracción para aterrizar este Chaos AD experimentando con el groove y con sonidos tribales y también industriales, aunque de igual manera improvisaban cambios de ritmo más hardcore como en Refuse/ Resist, Biotech is Godzilla o Manifest y piezas acústica como la magnificiente Kaiowas. Los ritmos, letras y sonidos tribales sobredimensionaron el sonido de la banda en su siguiente apuesta de 1996 llamada Roots con sonido de Ross Robinson que había trabajado con Korn y que a pesar de pasaría a la historia como un gran disco acabó engullendo el planteamiento musical, el sonido y las relaciones internas de la propia banda, terminando con la escisión y salida de Max Cavalera y su hermano Igor 10 años después. Sepultura es la única y última gran banda que después de 25 años aún no se ha reunido para un nuevo disco o para una gira. Igor registró en Chaos AD fills de batería grandiosos y muy técnicos que serán siempre recordados marcando el tempo de cada canción y que sentaron precedente y base al mismo tiempo de las nuevas generaciones de baterías del norte de Europa. Pero volvamos a 1993. Sepultura buscaba por aquel entonces aislarse para grabar el álbum y les sugirieron al mezclador Andy Wallace, un colaborador del productor de referencia Rick Rubin desde 1986. Wallace ya había producido el ´Season in the Abyss´ de Slayer y había mezclado el ´Nevermind´ de Nirvana y el primer disco de RATM. Era una apuesta arriesgada pero la banda valoró sus credenciales y los 5 se fueron a Gales. Lo demás fue historia. Sepultura y Wallace grabaron el mejor disco de la historia de la banda con uno de los mejores sonidos que se ha escuchado en una banda de Thrash, probablemente aquella ecualización fue y será irrepetible y en magnitud y carisma se asemejó al Master of Puppets de Metallica. Los músicos y el productor apostaron por afinar en Re, ayudando a mostrar más matices sonoros que en Do (Una gran mayoría de bandas de metal afinan en Do). La caja sonaría totalmente abierta pero contundente dando profundidad y empaque al sonido general. los timbales también serían amplificados como nunca antes lo habían sido y las guitarras grabadas de una manera muy noventera acompañaban a la voz con reverb y un protagonismo en primera línea. Todo sonaba super orgánico cuyos elementos eran fácilmente descifrables y no tan comprimido como suenan ahora las bandas. Andy Wallace en estado de gracia grabó en 1994 con Jeff Buckley, en 1995 con Faith no More y en 1999 con Skunk Anansie los mejores discos con el mejor sonido de dichas bandas pero que también supusieron al mismo tiempo una escalada de grietas y diferencias internas, el principio del fin y una crisis interna como le ocurrió a Sepultura con el Chaos AD. Wallace después de 1999 se dedicó prácticamente sólo a mezclar álbumes de las mejores bandas del rock y el metal finalizando su andadura en 2018, pero 3 años después Gojira llamó a su puerta y Wallace mezclaría el Fortitude de este mismo año, consiguiendo una de las mejores mezclas de la discografía de la banda francesa. Gojira rinde tributo en este disco y cierra el círculo en un cumplido homenaje a la banda brasileña por su admiración al Chaos AD, un álbum que cimenta la trayectoria de la banda francesa en temas como Amazonia, pero también en otros flashes de otras canciones como New Found, Into The Storm o Sphinx. Gojira a pesar de que han mantenido una trayectoria muy personal, de alguna manera se han sentido ligados y han gravitado en torno al Chaos AD completando las 4 dinámicas energéticas adyacentes si consideramos al Chaos AD como tierra que sustenta y enraíza a los otros cuatro discos. ´The way of all flesh simboliza el agua creadora y emanadora de vida cuya virtud es la fuerza de voluntad en la constancia y persistencia. El agua dio paso a L´enfant Sauvage, pura madera de creatividad y sistematicidad que representa un trabajo sofisticado de la banda por objetivos con muchísimos aciertos y que alcanza una elevación especial en sus puntos cardinales. La madera deja paso al corazón de Fortitude, con un sonido más abierto y minimalista, mostrando una energía constructiva y de reencuentro, saltando en el tiempo hacia el pasado Magma cierra el círculo siendo ese black album retrospectivo de punto muerto que necesita toda banda para redimirse de momentos vitales complicados por duelos existenciales. Chaos AD fue la semilla de esta magnífica banda francesa que sigue profundizando en su sonido y en sus letras con una mirada hacia el espacio interior, hacia la vacuidad llena de sentido y de existencia. 

We resume the activity of the blog in a special way, taking advantage of the recent release of Gojira's latest album ´Fortitude´ whose repertoire presents elements that evoke Sepultura and that in some way pay tribute to the most glorious stage of the Brazilian band. We had wanted to remember for a long time and pay tribute to their creative opus which is none other than the magnificient album Chaos A.D. from 1993 and that it was recorded at Rockfield studios in Wales (UK) where other bands such as Black Sabbath, Rush, Motörhead, Judas Priest, Opeth or Coldplay also recorded their songs. When someone listens to this album they have the feeling that it is a greatest hits album, but curiously the band from Belo Horizonte was able to amplify their creative capacity to infinity in a long play that received positive and admiring reviews in a massive way with a 10/10 rating on each music review. At that time, groove metal with thrash touches exhibited its maximum representation with four groups that led the festivals of the world, we refer to Sepultura, Pantera, Fear Factory and Machine Head just when the big 4 (Metallica, Megadeth, Anthrax and Slayer ) were taking a compositional break after a dizzyingly intense decade of the 80's and the grunge movement was also beginning to make a gap in the media and on radio stations. Although, Pantera and Sepultura also came from that stage, they knew how to reinvent themselves with a more contemporary and energetic sound, introducing more modern and fluid tonalities channeled through the new sound producers of the early 90's that made them the standard bearers of metal with no place for no kind of doubts and that led to later musical movements such as Nu metal, thrascore, or the crossover one. The beginning of Chaos A.D. with that Max Cavalera's son´s heartbeat is a declaration of intentions that all the subsequent material was going to be dominated by strength, courage, energy, liveliness and passion as if life made its way through each composition. Sepultura left behind a great album like Arise with the sound of the Tampa Bay Area and with more abstract lyrics to land this Chaos AD experimenting with groove and with tribal and industrial sounds, although in the same way they improvised more hardcore rhythm changes as in Refuse / Resist, Biotech is Godzilla or Manifest and acoustic pieces like the magnificent Kaiowas. The tribal rhythms, lyrics and sounds oversized the sound of the band in their next 1996 album called Roots with the sound of Ross Robinson who had worked with Korn and that despite going down in history as a great album ended up googling down the musical approach, the sound and the internal relationships of the band itself, ending with the split and departure of Max Cavalera and his brother Igor 10 years later. Sepultura is the only and last great band that after 25 years has not yet reunited for a new album or for a tour. Igor recorded great and highly technical drum fills in Chaos AD that will always be remembered marking the tempo of each song and that at the same time set a precedent and a basis for new generations of drummers from northern Europe. But let's go back to 1993. Sepultura was looking to isolate himself at the time to record the album and they suggested to mixer Andy Wallace, a collaborator of landmark producer Rick Rubin since 1986. Wallace had already produced Slayer's 'Season in the Abyss' and mixed Nirvana's ´Nevermind´ and the first RATM album. It was a risky bet but the band valued their credentials and the 5 went to Wales. The rest was history. Sepultura and Wallace recorded the best album in the history of the band with one of the best sounds that has been heard in a Thrash band, and probably that equalization was and will be unrepeatable and in magnitude and charisma it resembled Metallica's Master of Puppets. The musicians and the producer opted to tune in D, helping to show more sonic nuances than in C (A great majority of metal bands tune in C). The box would sound totally open but forceful giving depth and packaging to the overall sound. The toms would also be amplified as they had never been before and the guitars recorded in a very 90s way accompanied the voice with reverb and a leading role in the front line. Everything sounded super organic whose elements were easily decipherable and not as compressed as bands sound now. Andy Wallace in a state of grace recorded in 1994 with Jeff Buckley, in 1995 with Faith no More and in 1999 with Skunk Anansie the best albums with the best sound of these bands but that also meant at the same time an escalation of cracks and internal differences, the beginning of the end and an internal crisis as happened to Sepultura with Chaos AD. Wallace after 1999, practically only dedicated himself to mixing albums of the best rock and metal bands ending his career in 2018, but 3 years later Gojira knocked on his door and Wallace would mix the Fortitude of this same year, getting one of the best mixes of the French band's discography. Gojira pays tribute on this album and closes the circle in a compliment to the Brazilian band for its admiration for Chaos AD, an album that cements the trajectory of the French band on songs like Amazonia, but also in other flashes of other songs like New Found, Into The Storm or Sphinx. Gojira, although they have maintained a very personal trajectory, somehow they have felt linked and have gravitated around the Chaos AD completing the 4 adjacent energetic dynamics if we consider the Chaos AD as the earth that sustains and roots the other four albums. The way of all flesh symbolizes the creative and emanating water of life whose virtue is the force of will in constancy and persistence. The water gave way to L´enfant Sauvage, pure wood of creativity and systematicity that represents a sophisticated work of the band for goals with many successes and that reaches a special elevation in their cardinal points. The wood gives way to the heart of Fortitude, with a more open and minimalist sound, showing a constructive and reuniting energy, jumping back in time to the past, Magma closes the circle being that deadlocked retrospective black album that every band needs to redeem itself of vital moments complicated by existential duels. Chaos AD was the seed of this magnificent French band that keeps on going depper in its sound and its lyrics with a look towards inner space, towards emptiness full of meaning and existence.

Esta será la última publicación del blog Qiutrack. Han sido 2 años maravillosos de redescubrir aquellas bandas que me acompañaron durante una etapa de mi vida (1991-2020) relacionándolas con el running, el taoísmo y que lograron brillar gracias a su talento innato pero también a la persona que confiaron su sonido enriqueciéndolo con ecualizaciones orgánicas, texturas, amalgamas, ambientaciones y arreglos que lograron captar la atención del oyente de manera distinguida. Desde que George Martin se convirtiera en el 5º Beatle, los productores que surgieron en los años 90 y 00´ elevaron el sonido a una calidad aún antes desconocida consiguiendo el equilibrio perfecto para que cada música sonara de manera especial y adaptada a su propia esencia. Y es que alguien dijo un día que la magia está en los pequeños detalles. A continuación recordamos a dichos productores y las bandas que produjeron y que dejaron huella en la historia de la música / This will be the last post on the Qiutrack blog. It has been 2 wonderful years of rediscovering those bands that walked with me during a stage of my life (1991-2012) relating them to running, Taoism and who managed to shine thanks to their innate talent but also to the person who entrusted their sound enriching it with organic equalizations, textures, amalgams, settings and arrangements that managed to capture the listener's attention in a distinguished way. Since George Martin became the 5th Beatle, the producers that emerged in the 90s and 00s raised the sound to a quality even before unknown, achieving the perfect balance so that each music sounded special and adapted to its own essence. Someone said one day that the magic is in the little details. Next, we remember those producers and the bands that produced and that left their mark in the history of music:

• Andy Wallace (Sepultura, Jeff Bucley, Faith No More, Bad Religion, Skunk Anansie, Rollis Band)
• Brendan O´brien (Pearl Jam, Chris Cornell, Mastodon, Rage Against The Machine, Incubus, Killswitch Engage, Papa Roach, Stone Temple Pilots...)
• Howard Benson (Silence, Cold, In Flames, P.O.D., Apocalyptica, Flyleaf, 3 Doors Down)
• Fredrik Nordstöm (Dark Tranquillity, In Flames, Opeth, Soilwork, Arch Enemy, The Haunted, At The Gates, Nightrage, Gardenian, Exhumation)
• Ross Robinson (Korn, Cold, Machine Head, At The Drive-In, Slipknot)
• Jens Bogren (Dark Tranquillity, Opeth, Soilwork, Draconian, Paradise Lost. Katatonia, Amon Amarth,       Bela´kor, The Ocean, Amorphis)
• Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Stone Sour, Deftones, Mastodon, Apocalyptica, 10 years)
  
• Toby Wright (Alice In Chains, Fear Factory)
• Adam Kasper (Soundgarden, Cold, Pearl Jam, Foo Fighters)
• Johnny K (Staind, Disturbed, Soil, 3 Doors Down, Nonpoint, Machine Head)
• Dave Botrill (Tool, Staind, Mudvayne, Stone Sour
• Jacob Hansen (Raunchy, Nightrage)
• Bob Rock (Metallica
• Terry Date (Pantera, Deftones, Incubus, Slipknot, Dredg, Soundgarden)
• Andy Sneap (Testament, Kreator, Machine Head, Earthzaone9)
• Fleming Rasmussen (Metallica, Blind Guardian, Ensiferum)
• Rhys Fulber (Fear Factory, Paradise Lost)
• Simon Efemy (Paradise Lost, Amorphis)
• Colin Richardson (Carcass, Machine Head, Fear Factory, Hamlet, Gorefest)
• Dave Sardy (A perfect Circle, Bush, Helmet)
• Rick Rubin (Slipknot, Audioslave, Red Hot Chili Peppers, Metallica, System Of A Down, Weezer, Linkin Park, Type O Negative)
• Bob Rock (Meatallica, Bush)
• Jim Morris (Death)
• Don Gilmore (Linkin Park)
• Chris Sheldon (Therapy?, Biffy Clyro, Oceansize)
• Jay Baumgardner (Papa Roach, Alien Ant Farm, Sevendust, Bush, Helmet)
  
• Steve Albini (Nirvana, Neurosis, Helmet, Berri Txarrak)
• Josh Wilbur (Gojira, Killer Be Killed, Trivium)
• Paul Northfield (Suicidal Tendencies)
• Matt Bayles (Mastodon, Minus The Bear
• Michael Beinhorn (Soundgarden, The Red Hot Chili Peppers)
• Scott Burns (Death, Obituary)
• Butch Vig (Nirvana, The Smashing Pumpkins, Foo Fighters, Helmet)
• Peter Tätgren (Hypocrisy, Amon Amarth, Amorphis, Dimmu Borgir, Rotting Christ, Children Of Bodom)
• Kit Woolven (Anathema, Cradle Of Filth)
• Alan Moulder & Flood (The Smashing Pumkins, Nine Inch Nails)
• Hiili Hilesmaa (Sentenced, Apocalyptica, Moonspell)
• Ben Grosse (Filter, Sevendust, Alter Bridge)
• Michael Beinhorn (Soundgarden, Red Hot Chili Peppers)
• Michael Baskette (Alter Bridge, Cold, Chevelle, Puddle Of Mud)
  
• Tue Madsen (The Haunted, Dark Tranquillity)

                                 Qiutrack - Qi your life!

Alguien dijo una vez que cuando una obra de arte se convierte en un fenómeno de masas, la obra deja de pertenecer al autor. Algo parecido le ocurrió a artistas de la talla de The Beatles, Nirvana, Metallica o como no a Red Hot Chili Peppers. Al contrario que The Beatles que publicaron 13 discos en 8 años, Red hot publicaron 8 discos discos en 30 años (1991-2020), los 8 álbumes que podemos considerar como más representativos y recordados de la banda y considerando Stadium Arcadium como dos discos puesto que fue doble álbum. Su creatividad siempre se coció a fuego lento entre aguas turbulentas, excesos, espacios meditativos, surf, psicodelia, experimentación introspectiva, separaciones o retornos de músicos (Frusciante ha vuelto a la banda en dos ocasiones). Si se contara a alguien que una banda así lograría ser una de las bandas de referencia de los últimos 30 años nadie se lo creería, como nadie se creería que en una banda cabrían genios tan dispares como Lennon (parte mental), McCartney (parte romántica), Harrison (parte mísitica) o Starr (parte festiva), pero quizá radique ahí la autenticidad y la magnificencia de las canciones de 4 tipos que se soportaron durante un tiempo entre 4 paredes y que juntos dieron luz a canciones maravillosas ejerciendo de contrapesos unos de otros. Y es que la genialidad no está reñida con la inestabilidad. Cuando Frusciante volvió a RHCP en 1999 con un apoteósico cambio de estilo sentando las bases de esa obra maestra llamada Californication (1999) con un sonido sucio creado a propósito por el maestro de ceremonias Rubin y la banda, todo el mundo comprendió que Red Hot rendían pleitesía en el rock contemporáneo de una manera excelsa a gente como The Beatles, David Bowie, Jim Hendrix o U2 pero con una visión cuasi grunge y super alternativa, siendo ellos al 110% y facturando una calidad musical inédita hasta la fecha conectando con millones de personas. La creatividad continuó con dosis sucintas en discos sucesivos pero manteniendo el nivel y el carácter genuino de la banda compartiendo  y coprotagnizando las líneas vocales con Kiedis. Pero las mastodónticas giras después de un disco doble extenuante en la composición y grabación como Stadium Arcadium (2006) (ya le ocurrió a otras bandas como The Smashing Pumpkins) y las diferentes necesidades compositivas dio lugar a una fractura irremediable y Frusciante, el guitarrista que hace arder la mecha en esa banda abandonaba el barco. Algunos desencuentros pero en mayor medida la necesidad de experimentar la música a otro nivel (fuera las masas) y más experimental pusieron tierra de por medio a Frusciante. John se convirtió en uno de los artistas más prolíficos del planeta tierra publicando en ese periodo (2009-2020) 10 discos en 1 1 años añadidos a los 8 discos que había publicado anteriormente, de los que destacaría sobremanera Shadows collide with people (2002) y The Empyrean (2009). Personalmente no conecto mucho con la música publicada por Los Red Hot y por Frusciante después del Stadium Arcadium, siendo quizá un periodo de tiempo de sequía creativa. En 14 años quizá nos falten los dedos de una mano para rescatar canciones que nos hayan tocado el corazón. Muchas personas no comprendimos la sustitución de Klinghoffer por Frusciante, especialmente porque Flea y su presente y talentoso bajo necesitan un contrapeso de la misma magnitud y nadie mejor que Frusciante que mamó la esencia de la banda desde los 18 años. en 2020 se hizo oficial la noticia del regreso de Frusciante y de nuevo se abre una puerta para recuperar parte del terreno perdido y volver a escuchar sus riffs hendrixianos pero también sus arpergios maravillosos, los coros y melodías junto a Kiedis que acarició el cielo gracias a las composiciones del binomino Flea/Frusciante, las bases rítmicas de Smith (y no programadas o sintetizadas como en The Getaway (2016)) y una producción que sepa entender que el rock necesita ser orgánico. Desde una visión taoista, Red Hot Chili Peppers resuena a fuego por su capacidad de alcanzar mediante el júbilo el alma del gran público y metal con esa partícula de melancolía que sazona a la perfección las dos caras de la moneda y como no, con una pizca de madera representada por la creatividad universal. Si necesitas salir a correr sin superarte, sin buscar tu mejor marca personal, simplemente por el hecho en sí de salir a correr y recorrer mundo como Forrest Gump, esta banda es tu banda.

Someone said once that when a masterpiece becomes a mass phenomenon, the work ceases to belong to the creator. Something similar happened to artists of the class of The Beatles, Nirvana, Metallica or of course the Red hot chili peppers. Unlike The Beatles, who released 13 albums in 8 years, Red hot released 8 albums in 30 years (1991-2020), the 8 albums that we can consider as the most representative and remembered of the band and considering Stadium Arcadium as two albums, which was a double album. Their creativity always simmered between turbulent waters, excesses, meditative spaces, surfing, psychedelia, introspective experimentation, split-ups, coming backs of musicians (Frusciante has returned to the band twice). If someone were told that such a band would become one of the reference bands of the last 30 years, no one would believe it, as no one would believe that a band would fit geniuses as diverse as Lennon (mental part), McCartney (romantic part ), Harrison (mystical part) or Starr (festive part), but perhaps therein lies the authenticity and magnificence of the songs of 4 dudes that put up with themselves inside 4 walls and that, together gave birth to wonderful songs by  some acting as counterweights of others. And genius is not at odds with instability. When Frusciante returned to Red Hot in 1999 with a tremendous change in style, laying the groundwork for that masterpiece called Californication (1999) with a dirty sound on porpose created by emcee Rubin and the band, everyone understood that Red Hot were paying tribute in contemporary rock in an excellent way to people like The Beatles, David Bowie, Jim Hendrix or U2 but with a quasi grunge and super alternative vision, being them in a 110% and releasing an unpublished musical quality to date connecting with millions of people. The creativity went on with succinct doses in successive albums but maintaining the level and the genuine character of the band sharing co-starring the vocal line duties between Kiedis and Frusciante in different songs. But the mammoth tours after a exhausting double album in songwriting and recording as Stadium Arcadium (2006) (It already happened to other bands like The Smashing Pumpkins) and the different compositional needs led to an irreparable fracture and Frusciante, the guitarist who sets the fuse on fire in that band, was leaving the ship. Some disagreements but mainly the need need to experience music on another level (outside the masses) and more experimental made Frusciante a getaway. John became one of the most prolific artists on planet earth publishing in that period (2009-2020) 10 albums in 1 1 years added to the 8 albums he had previously released, of which Shadows collide with people (2002) and The Empyrean (2009) standed out. Personally, I don't connect very much with the music released by Red Hot and Frusciante after Stadium Arcadium, perhaps being a period of creative drought. In 14 years we may lack the fingers of one hand to rescue songs that have touched our hearts. Many people did not understand the replacement of Klinghoffer by Frusciante, especially since Flea and her present and talented bass need a counterweight of the same magnitude, no one better than Frusciante who sucked the essence of the band since she was 18 years old. In 2020 the news of the coming back of Frusciante became official and again a door was opened to recover part of the lost ground and to listen his Hendrixian riffs but also his wonderful arpergios, the choruses and melodies with Kiedis who touched the sky thanks to the compositions of the pairing Flea / Frusciante, the rhythmic bases of Smith (and not programmed or synthesized as in The Getaway (2016)) and a production that understands that rock needs to be organic. From a Taoist perspective, Red Hot Chili Peppers resonates on fire by their ability to reach the soul of the general public through joy and metal with that particle of melancholy that perfectly flavors both sides of the coin and of course, with a pinch of wood represented by universal creativity. Going for a run without overcoming yourself, without looking for your personal best or record beatings, simply for the fact of going out for a run and traveling the world like Forrest Gump, this band is your band.

Nacida de las cenizas de dos bandas locales, esta banda de Massachusetts abanderó de manera iniciática un estilo de metal que convergía de alguna manera con la escena de death melódico sueco de la década anterior al que le agregaba notas de hardcore americano, crossover, metal extremo y thrash de los 90' de bandas como Metallica y Slayer con estribillos melódicos del nu metal. El estilo para las revistas especializadas se acuñó como Metalcore, un género que fundamentalmente se afianzó en USA fruto de la influencia de aquella corriente europea sintetizada y fusionada con el pedigrí americano y que generó un movimiento de bandas que ha encabezado la vanguardia metálica de festivales y medios entre ellas Shadows Falls o As I Lie Dying. Capaces de autoproducir su propio sonido en la mayoría de sus discos a través de su virtuoso guitarrista, Adam Dutkiewicz, y con un cantante hiper talentoso capaz de desarrollar los mejores estribillos melódicos habidos en los últimos años y un clímax vocal que roza a perfección y la exigencia máxima (en palabras de Jesse Leach, vocalista de la banda llegó a no poder dormir durante las sesiones de grabación de varios discos por la exigencia de la tarea, la composición letrística y la energía desmedida vocal que requería cada disco). Hoy en día su álbum de 2002 Alive or just breathing, al igual que haría Gojira en Europa y una década anterior Pantera, hizo renacer a una escena metálica que caminaba por derroteros repetitivos y tendente al mainstream. Ellos fueron capaces de aunar la dureza de la herencia recogida con los nuevos aires procedentes del metal moderno con personalidad propia. Tras el abandono de Leach por bajón anímico siendo reemplazado por otro gran cantante como Jones, las aguas volvieron a su cauce y Leach recuperado volvió a la banda grabando con sus compañeros 3 de los mejores discos de la banda (Disarm Descent, Incarnate y Atonement) componiendo letras desde experiencias vitales super emocionales en su mayoría con un claro mensaje de positividad y recuperando registros vocales de Phil Anselmo y líneas melódicas totalmente inéditas en la generación de estribillos. Desde un punto de vista taoísta, esta banda resuena con un elemento fuego descomunal y también con trazos de madera y metal. Si has pensado en salir a correr para darlo todo desde el minuto uno, Killswistch Engage alimentará tu energía a cada soplo. 

Born from the ashes of two local bands, this band from Massachusetts pioneered a style of metal that somehow converged with the Swedish melodic death scene of the previous decade to which they added notes of American hardcore, crossover, extreme metal and 90's thrash from bands like Metallica and Slayer with melodic nu metal choruses. The style for specialized magazines was coined as Metalcore, a genre that fundamentally took hold in the USA as a result of the influence of that European current synthesized and fused with the American pedigree and that generated a movement of bands that has led the metallic avant-garde of festivals and media including Shadows Falls or As I Lie Dying. Able to self-produce their own sound on most of their albums through their skilfull guitarist, Adam Dutkiewicz, and with a hyper talented singer capable of developing the best melodic choruses in recent years and a vocal climax that borders on perfection and the maximum demand (in the words of Jesse Leach, lead singer of the band, he was unable to sleep during the recording sessions of several albums due to the demand of the task, the lyric composition and the excessive vocal energy that each album required). Today they 2002 album Alive or just breathing, like Gojira in Europe and a previous decade Pantera, gave birth to a metal scene that walked repetitive paths and tending towards the mainstream. They were able to combine the harshness of the collected heritage with the new airs coming from modern metal with their own personality. After Leach´s withdrawal due to a low mood being replaced by another great singer like Jones, the waters returned to their course and recovered Leach came back to the band recording with their bandmates 3 of the best albums of the band (Disarm Descent, Incarnate and Atonement) composing lyrics based on super emotional life experiences mostly with a clear message of positivity and recovering Phil Anselmo's vocal registers and totally original melodic lines in the chorus generation. From a Taoist point of view, this band resonates with a colossal fire element as well as traces of wood and metal. If you've thought about going for a run to give your best from minute one, Killswistch Engage will fuel your energy in every breath.

Hace ya 30 años un tímido movimiento de bandas finesas encabezada por la ya desaparecida banda de culto Senteced y Amorphis encabezaron un nuevo género dentro del death metal melódico en el que se entremezclaban líneas armónicas oscuras y melódicas llenas de rabia y desolación inducidas por la dureza climática de aquellas latitudes septentrionales y sus crudos y gélidos inviernos que facilitaban canalizar la creatividad y el detallismo preciosista en cada composición musical. Amorphis conjugó en sus inicios la tradición vikinga con letras celtas, paganas y de la mitología nórdica para adentrarse a posteriori en trabajos más progresivos con tintes setenteros y folks (sitares, flautas...) sin dejar de presentar en su propuesta el death metal con trasfondo doom, gótico y emotivo. Amorphis junto a Nightwish y Apocalyptica son las tres bandas con el cartel más internacional de Finlandia. Esta banda además tuvo el coraje de sobreponerse a un relativo descenso de la creatividad de 10 años y posterior abandono de su cantante y otros componentes para rehacerse en sus cenizas y regresar con un nuevo y talentoso cantante como es Tomi Joutsen y volviendo a reclutar a sus miembros originales en la bateria y bajo. Su album Elegy probablemente es uno de los 10 mejores trabajos de la escena de todos los tiempos. Desde una visión taoísta Amorphis es densidad pura, agua que fluye con los elementos en conexión con un gran elemento madera, inundado de creatividad, renovación, fidelidad a su propio enfoque musical y sonido y persistencia en un estilo que ellos mismos inventaron allá por 1990. Y la saga continuó siendo Amon Amarth de Suecia quienes cogerían el testigo de la parte dura de Amorphis para conjugar mitología vikinga, paganismo, temáticas de Tolkien, guitarras afiladas, baterías hiper rítmicas y tribales, death melódico y sonido amurallado sin fisuras que los convirtieron en poco tiempo en una de las bandas con mejor sonido y puesta en escena en directo. Amon Amarth tomó la grandilocuencia y el carácter épico de Manowar para consagrarse en la escena atrayendo a miles y miles de fans con millones de visualizaciones y escuchas de sus temas. A mi juicio su periodo 1998-2008 es quizá el más determinante, creativo y genuino de la banda apuntalando un estilo sobrio experimentando con los ritmos, los solos, las melodías de voz y las guitarras rítmicas acompasadas al más puro estilo sueco. Desde una visión taoísta Amon Amarth es puro metal, reivindicando la dignidad y el esfuerzo creativo en cada unas de sus obras y al mismo tiempo madera yang que se retuerce de ingenio y singularidad en un estilo marcado por la sincronización compositiva que anima a practicar headbanging sin descanso. Ambas agrupaciones se rodearon de los mejores productores de sonido de sus respectivos países para dotar a su sonido de una consistencia perfectamente ensamblada. Dos bandas para salir a correr como si estuvieras con un metrónomo, especialmente por la mañana para compensar su parte yin a esta franja horaria yang.

30 years ago, a timid movement of Finnish bands led by the now-defunct cult band Senteced and Amorphis led a new genre within melodic death metal in which dark and melodic harmonic lines mixed with rage and desolation induced by the harsh weather of those northern latitudes and their harsh and icy winters that made easier the channeling of creativity and precious detail in each musical composition. Amorphis initially conjugated the Viking tradition with celtic, pagan and nordic mythology lyrics to later delve into more progressive works with seventies and folk overtones (sitares, flutes ...) while continuing to present death metal with doom, gothic and emotional background. Amorphis together with Nightwish and Apocalyptica are the three bands with the most international reputation from Finland. This band also had the courage to overcome a relative decline in creativity of 10 years and subsequent abandonment of its singer and other components to rebuild in their ashes and return with a new and talented singer such as Tomi Joutsen and re-recruit their original members on drums and bass. Their album Elegy is probably one of the 10 best works on the scene of all time. From a Taoist vision Amorphis is pure density, water that flows with the elements in connection with a great wood element, flooded with creativity, renewal, fidelity to their own musical approach and sound and persistence in a style that they invented themselves back in 1990. And the saga went on being Amon Amarth from Sweden who would take the baton of the hard part of Amorphis to combine viking mythology, paganism, Tolkien themes, sharp guitars, hyper rhythmic and tribal drums, melodic death and seamless walled sound that turned them into a short time in one of the bands with the best sound and live staging. Amon Amarth took the bombast and epic character of Manowar to establish themselves on the scene, drawing thousands and thousands of fans with millions of views and listens to their songs. In my opinion, their period 1998-2008 is perhaps the most decisive, creative and genuine of the band, underpinning a sober style experimenting with rhythms, solos, voice melodies and rhythmic guitars in the purest Swedish style. From a Taoist vision Amon Amarth is pure metal, vindicating dignity and creative effort in each of their works and at the same time yang wood that twists with ingenuity and uniqueness in a style marked by compositional synchronization that encourages practicing headbanging without any break. Both bands surrounded themselves with the best sound producers from their respective countries to give their sound a perfectly assembled consistency. Two bands to go running as if you were with a metronome, especially in the morning to make up their yin part at this yang time slot.

En 1994 cuando Nirvana nos dejó para siempre nadie vaticinó que de aquellas cenizas un incipiente músico se haría paso en la escena alternativa con pegada, dosis de humor e independencia creativa. Dave Grohl se puso en marcha rápidamente con discos sucesivos (dos de sus 5 mejores discos por cierto) retomando reminiscencias de Nirvana, pero también del power pop de bandas como Knack, armonías y líneas vocales de The Beatles y ABBA, visceralidades de Black Flag y en la segunda mitad de su carrera guiños countries a Tom Petty. Grohl se rodeó de amigos y reclutó a otro miembro viviente de Nirvana (Pat Smear), al bajista Nate Mendel de la escena grunge de Seattle, al virtuoso batería Taylor Hawkins que había tocado con Alanis Morissette y finalmente a Chris Shiflett de la escena de hardcore melódico y recientemente al pianista Jaffe, músico de sesión de muchas bandas de rock alternativo. Los Foos se han encontrado en plena búsqueda creativa desde que firmaran el último disco grunge de la historia en 1997 (The colour and the shape) encontrando la horma a su zapato en sonido y en algunas canciones de discos como One by one (2002) Echoes, silence, patience and grace (2007) y Wasting light (2011). A la espera de editar este año su nuevo disco, Grohl recuerda en melodías suyas de voz de texturas suaves a esos pasajes de Eleanor Rigby de The Beatles y también a la guturalidad de Cobain cuando la cosa se pone gruesa. A mi parecer les hace un flaco favor su devaneo hacia el country y también hacia la música eminentemente acústica donde desdibujan su propia esencia. En su última etapa han probado ritmos más pausados y medios y up tiempos, síntoma de una madurez creativa pasados los 50´. En muchas de sus canciones encontramos esa yuxtaposición de esperanza y desesperación a la que suele apelar Grohl que da un toque de épica a sus genuinos conciertos llenos de improvisación. Desde una visión taoísta, Foo Fighters contagian fuego a raudales por ese corazón que nunca deja de latir y esa tendencia hacia el elemento tierra fusionado con algo de madera donde dejan entrever esa incertidumbre creativa y esa necesidad de reinventarse en cada proceso compositivo. Es una banda muy apropiada para salir a correr cualquier tarde durante 40-45´ sin un apego emocional muy marcado.

In 1994 when Nirvana left us forever, no one predicted that from those ashes an emerging musician would make his way into the alternative scene with punch, a dose of humor and creative independence. Dave Grohl quickly got going with successive albums (two of his 5 best albums by the way) taking up reminiscences of Nirvana, but also of the power pop of bands like Knack, harmonies and vocal lines of The Beatles and ABBA, visceralities of Black Flag and in the second half of his career country winks to Tom Petty. Grohl surrounded himself with friends and recruited another living member of Nirvana (Pat Smear), bassist Nate Mendel from the Seattle grunge scene, skilful drummer Taylor Hawkins who had played with Alanis Morissette and finally Chris Shiflett from the ,melofdic hardcore scen and recently the pianist Jaffe, session musician for many alternative rock bands. The Foos have found themselves in full creative search since they signed the last grunge album in history in 1997 (The color and the shape), met their match in sound and in some songs on albums like One by one (2002) Echoes , silence, patience and grace (2007) and Wasting light (2011). While waiting to release their new album this year, Grohl remembers in his melodies of softly textured voice those passages of Eleanor Rigby from The Beatles and also Cobain's gutturality when things get thick. In my opinion, they do themselves a disservice by flirting with country and also towards eminently acoustic music where they blur their own essence. In their last stage they have tried slower rhythms and medium and up tempos, a symptom of a creative maturity after 50´s. In many of their songs we find that juxtaposition of hope and despair to which Grohl often appeals that gives a touch of epic to their genuine concerts full of improvisation. From a Taoist vision, Foo Fighters spread fire in abundance through that heart that never stops beating and that tendency towards the earth element fused with some wood where they reveal that creative uncertainty and that need to reinvent themselves in each compositional process. It is a very appropriate band to go for a run any afternoon during 40-45 minutes without a very marked emotional attachment.

Nos es fácil descifrar cómo brotó esta magnífica banda en años  de maremagnum  de punk acérrimo (Ramones, The Clash) el hardcore americano (Minor Threat, Black Flag), rock insurgente y psicodelia con aires de los 70´ y la música electrónica que monopolizaba los charts, pero podríamos tener alguna pista en Los Beatles y Los Beach Boys, Los Sex Pistols y autores como Jack Kerouac que inspiraron su prosa y su lírica. Pero aún así no daríamos con la clave de su génesis, y quizá no sea otra que una autodescubrimiento e invención del hardcore melódico inédito y único hasta esa época que combinaba velocidad, fraseos de guitarra rockeros, cabalgatas y fills feroces de batería y unas melodías de voz con coros magistrales que podrían bien ser enseñadas en cualquier escuela de música moderna. La crítica señala su epicentro en el album No Suffer de 1989, pero a mi juicio es Against the Grain de 1990 el album colosal que les puso en el disparadero con temazos atemporales y un sonido refinado y actualizado a partir del cual siguieron profundizando. En 1994 lograron disco de oro con su disco Stranger Than Fiction en parte gracias a la labor del productor Andy Wallace (Faith No More, Sepultura, Jeff Buckley, Slayer...). Hasta un total de 16 discos de una de las bandas más estables del rock con sello proprio (Epitaph) y siendo precursores de otras bandas del género (Pennywise, Nofx, The Offspring, o más adelante Lagwagon, No use for a name o Rise Against). Con un sonido inconfundible y caídos en gracia por haber tenido en sus filas durante varios discos a uno de los mejores baterías de la escena como es Brooks Wackerman (Infectious Grooves, Blink-182 y Suicidal Tendencies y que actualmente se encuentra en Avenged Sevenfold) que aquilató el ritmo de la banda, Bad Religion desarrolló una carrera con algunos altibajos especialmente a finales del siglo XX pero lograron retomar con el regreso de su guitarrista seminal Brett Gurewitz y que junto a Graffin configuraron una dupla llena de talento compositivo y en el caso del cantante de unas letras cultivadas y sensacionales de activismo, conciencia y reivindicación de derechos sociales. A propósito de logo, surgió cuando tenían 15 años como acto de rebeldía hacia sus padres según comentan ellos. De cada disco se pueden extraer varios fragmentos de calidad y talento desorbitados, hasta casi una treintena de temas para salir a correr a comerte el mundo durante 80´-90´ por las calle de tu ciudad o por de tu pueblo. Una de las bandas más genuinas y fieles a su estilo de la historia de la música, pura madera y puro metal por su creatividad, prolificidad y capacidad de expresar matices y emociones a través de sus melodías desde una visión taoísta.

It is not easy to decode how this magnificent band emerged in years of staunch punk (Ramones, The Clash), American hardcore (Minor Threat, Black Flag), insurgent rock and psychedelia from 70´s and electronic music that monopolized the charts, but we could have some clues in The Beatles and The Beach Boys, The Sex Pistols and authors like Jack Kerouac who inspired their prose and lyrics. But even so, we would not find the key to its genesis, and perhaps it is none other than a self-discovery and invention of the unknown and unique melodic hardcore until that time, that combined speed, rock guitar phrasings, processions and savages drum fills and some melodies of voice with masterful choirs that could well be taught in any modern music school. Critics point to its epicenter in the 1989 album No Suffer, but in my opinion it is Against the Grain from 1990, the colossal album that put them on the spot with timeless songs and a refined and updated sound from which they kept on digging depply. In 1994 they achieved a gold record with their album Stranger Than Fiction in part thanks to the work of Andy Wallace producer (Faith No More, Sepultura, Jeff Buckley, Slayer ..). Up to a total of 16 albums by one of the most stable rock bands with their own label (Epitaph) and being forerunners of other bands of the genre or style (Pennywise, Nofx, The Offspring, or later Lagwagon, No use for a name or Rise Against ). With an unmistakable sound and fallen in grace for having had in their ranks for several albums one of the best drummers on the scene such as Brooks Wackerman (Infectious Grooves, Blink-182 and Suicidal Tendencies and currently on Avenged Sevenfold) who gained the rhythm of the band, Bad Religion developed a career with some ups and downs especially at the end of the 20th century but they managed to resume with the coming back of their seminal guitarist Brett Gurewitz and that together with Graffin they formed a duo full of compositional talent and in the case of the singer of cultured and sensational lyrics of activism, awareness and vindication of social rights. Regarding the logo, it arose when they were 15 years old as an act of rebellion towards their parents, according to them. From each album you can extract various fragments of exorbitant quality and talent, up to almost thirty songs to go running to eat the world for 80'-90' through the streets of your city or your town. One of the most genuine bands and true to their style in the history of music, pure wood and pure metal for their creativity, prolificity and ability to express nuances and emotions through their melodies by a toist approach.

Volvemos a Suecia para hablar de una banda fronteriza musicalmente hablando que deambuló por lugares conocidos y cercanos al movimiento sueco de Death metal pero que al mismo tiempo se sentía cómoda en terrenos anexos al thrashcore y al death metal crudo. En 1998 de la mano del ilusionista y fantástico productor Fredrik Nordström, publicaron su primer obra con semejanzas a las bocanadas antes recreadas por Slayer, pero aquello, lejos de convertirse en un ejercicio de estilo fue expandiéndose hacia territorios progresivos donde las secuencias y armonías genuinas de los hermanos Björler marcaron una época fruto de las cenizas de At The Gates. La banda se catapultó dentro de las bandas cabeza de cartel en numerosos festivales y suyas fueron las giras más aglutinadoras de un estilo ecléctico que ligaba a In Flames, The Crown, Nile, Entombed o Dark Tranquillity mientras cautivaban a las masas de fans con su pegada, ritmos y solos resolutivos con los que ahondaban en las profundidades del sonido, como si cada composición no tuviera límites o corsés. The Haunted fue la primera banda del estilo de Gotemburgo que ganó un grammy al mejor álbum de hard rock en el año 2000 con su obra cumbre y magna, Made me do It. Sin embargo las duras giras, los cambios de sonido y de estilo evidenciaron un desgaste que hizo que 3 miembros estables de la banda incluido Anders Björler abandonaran la banda. Además el regreso de At The Gates también con miembros de The Haunted supuso un menor protagonismo en la escena orientándose hacia derroteros más thrashers de corte americano. The Haunted inspiran el elemento madera en el que encarnan la creatividad inusitada, y capacidad de decisión de seguir adelante con notas de agua de ese fluir armónico que sólo los grandes músicos poseen. Una banda para salir a correr en momentos de " ve a por ello". 

We return to Sweden to talk about a border band musically speaking that wandered through well known places and close to the Swedish Death metal movement but at the same time felt comfortable on fields attached to thrashcore and raw death metal. In 1998, slongside with the illusionist and fantastic Fredrik Nordström producer, they published their first album with similarities to the blasts previously recreated by Slayer, but that, far from becoming an exercise of style, it expanded into progressive territories where the sequences and genuine harmonies from Björler brothers marked an era fruit of the ashes of At The Gates. The band was catapulted to fame into the headlining bands at many festivals and theirs were the most unifying tours of an eclectic style that linked In Flames, The Crown, Nile, Entombed or Dark Tranquility as they fascinated the masses of fans with their punch, resolute rhythms and solos with which they delved into the depths of the sound, as if each composition had no limits or restraints. The Haunted was the first Gothenburg-style band to win a Grammy for Best Hard Rock Album in 2000 with their masterpiece and magnum opus, ´Made me do It´. However, the hard tours, changes in sound and style evidenced an attrition that caused 3 stable members of the band including Anders Björler to leave the band. In addition, the return of At The Gates also with members of The Haunted meant a lesser role in the scene, moving towards more American-style thrash. The Haunted inspire the wooden element in which they embody unusual creativity, and the ability to move forward with water notes of that harmonic flow that only great musicians possess. A band to go running in moments of ´go for it´.

Cuando uno repasa la historia de esta banda tiene la sensación de que su trayectoria fue un sueño o se pregunta si realmente ocurrió. En tan sólo 7 años de historia pusieron patas arriba la historia del rock para siempre y desparecieron de la faz de la tierra para nunca volver. System of a down tiene el privilegio de haber conseguido ser número 1 en las listas con dos álbumes en un mismo año. Sólo antes dos bandas lo habían conseguido, The Beatles y Guns and Roses. Probablemente estamos hablando de la última banda con un mensaje contestatario del mainstream heredando el testigo que dejó tiempo atrás Rage Against The Machine. Considerados los Queen de la edad moderna en cuanto a poder de convocatoria de fans en sus conciertos, pocas bandas pueden resumir en 3-4 minutos de canción tantos motivos de calidad y talento como esta banda, ya no sólo a nivel instrumental con esas bases rítmicas utilizando redobles en cajas, timbales y platos (Dolmayan inventaría ritmos y cambios antes nunca escuchados) si no fraseos y líneas de guitarras y bajos propios del hardcore, del punk, del rock o del thrash por parte de Malakian y Odadijan tejiendo redes musicales circenses y distópicas que mezcladas con la increíble variedad, velocidad y complejidad de registros vocales de uno de los mejores cantantes de todos los tiempos (Tankian) catapultaron a esta banda a lo más alto de la música 2.0 acompañados del rey Midas, Rick Rubin (firmando las mejores producciones de su carrera) llenando estadios con sold out como cabezas de cartel. Pero el champán tan rápido como sube también baja y después de aquel meritorio e inconmensurable doble álbum de 2005 la banda se vacío creativamente y dando conciertos, firmando su final como banda de manera prematura. Una separación rota únicamente por giras intermitentes que mantenían la esperanza de un posible regreso (sería el regreso más grande de la historia del rock de los últimos 20 años) pero que desgraciadamente las diferencias irreconciliables hasta la fecha han hecho imposible. Desde un punto de vista taoísta esta banda hace alarde de un elemento madera como una catedral por su creatividad y versatilidad, y también de metal por esa aflicción tan bien representada en sus canciones más personales. Una banda para explorar tu parte más animal pero también más personal en tu carrera diaria.

When someone reviews the history of this band you have the feeling that their career was a dream or wonder if it really happened. In just 7 years of history they turned rock history upside down forever and disappeared from the face of the earth never to return. System of a Down has the privilege of getting to be number 1 in the charts with two albums in the same year. Only before two bands had achieved it, The Beatles and Guns and Roses. We are probably talking about the last band with a rebellious message in the mainstream itaking the baton that Rage Against The Machine left behind. Considered the Queen of the modern age in terms of the power to call their fans to attend their concerts, few bands can summarize in 3-4 minutes of song so many reasons of quality and talent as this band, and not only on an instrumental level with those rhythmic bases using drum rolls on box, toms and cymbals (Dolmayan would invent rhythms and fills never heard before) but phrasings and lines of guitars and basses typical from hardcore, punk, rock or thrash by Malakian and Odadijan hatching circus and dystopia that mixed with the incredible variety, speed and complexity of vocal registers of one of the best singers of all time (Tankian) catapulted this band to the highest of music 2.0  by King Midas, Rick Rubin (signing the best productions of his career) filling stadiums with sold out as headliners. But champagne as fast as it rises also falls and after that meritorious and immeasurable double album of 2005 the band emptied creatively and giving concerts, setting its end as a band prematurely. A separation broken only by intermittent tours that maintained the hope of a possible return (it would be the greatest return in the history of rock in the last 20 years) but unfortunately, the irreconcilable differences to date have made it impossible. From a Taoist point of view this band flaunts a wooden element like a mountain for its creativity and versatility, and also metal for that affliction so well represented in their most personal songs. A band to explore your most animal but also most personal part in your daily race.

Aún recuerdo cuando tenía colgado el poster de la banda Death con la imagen de su último y póstumo álbum The sound of perseverance de 1998, ya que aquel álbum mágico me animó a adentrarme en su discografía quedándose como icónicos la triada formada por el álbum anterior y sus predecesores Symbolic de 1995 e Individual thought patterns de 1993 (tres obras maestras en sólo 5 años). Chuck Schuldiner su creador y compositor fundamental fue a nivel estilístico un músico singular que entendía la música como un elemento para trascender de manera cuántica al paso de cada nota. Ocupando el tiempo del fin de semana practicando en un garaje recibiendo sólo un año de enseñanza de guitarra. Lo siguiente fue cosa suya. Suyos fueron los solos entrecortados y sincopados más magistrales de la historia que contaban historias más allá de la estética musical. Junto a ello, una pléyade de musicos virtuosos le acompañaron en cada álbum, algo así como el dream team de la música death. Chuck supo sacar la mayor capacidad creativa posible a ese grupo de músicos, generando un sonido y unas composiciones sofisticadas pero accesibles emocionalmente y también en cuanto a estructura se refiere. Pero a nivel letrístico Schuldiner, amante de los animales y de la naturaleza, sería algo así como el Walt Whitman de las letras, libre pensador, ensayista de letras proféticas de un futuro deshumanizado y desdibujado por la progresiva pérdida de conciencia de una sociedad decadente, a la que siempre apeló como ejercicio de cambio humanizante desde los resortes del alma de temas como Perennial quest. Schuldiner falleció a finales de 2001 a los 34 años de edad víctima de complicaciones derivadas de un tumor cerebral prácticamente en el olvido, sin poder costearse el seguro médico y sin fondos para una segunda cirugía a pesar de que la comunidad metalera hizo lo que pudo recaudando fondos para su madre. Chuck reinventó el metal en los años 90´ para siempre y todavía resuenan los ecos de aquel antológico solo de su última canción The fragile art of existence del proyecto Control Denied de 1999. Desde un punto de vista taoista podemos decir que Death fueron capaces de armonizar todos los elementos a pesar de que su música se teñía mucho de madera y agua con pinceladas de metal y puntos de fuego expresando la creatividad a raudales que corría por sus venas y la predicción de un futuro en el que el miedo podría prevalecer. Si has pensado en salir a correr con el firme propósito de mantenerte a pesar de las dificultades definitivamente esta es la banda que surcará tu imaginación en cada zancada.

I still remember when I had the poster of the band called Death hanging with the image of their last and posthumous album The sound of perseverance from 1998, since that magical album encouraged me to delve into their discography, remaining as iconic the triad made by the previous album and its predecessors Symbolic from 1995 and Individual thought patterns from 1993 (three masterpieces in just 5 years). Chuck Schuldiner its creator and fundamental composer was, on a stylistic level, a singular musician who understood music as an element to quantum transcend the passage of each note. Taking up the weekend time practicing in a garage receiving only of guitar teaching. The following was up to him. His solos were the most masterful choppy and syncopated ones in history that told stories beyond musical aesthetics. Along with this, a pleiad of virtuous musicians went alongside with him on each album, something like the dream team of death music. Chuck knew how to get the most creative ability and capacity out of this group of musicians, generating a sophisticated sound and compositions but emotionally accessible and also in terms of structure. But at the lyrical level Schuldiner, lover of animals and nature, would be something like the Walt Whitman of letters, a free thinker, essayist of prophetic letters of a future dehumanized and blurred by the progressive loss of consciousness of a decadent society, to which he always appealed them as an exercise of humanizing change from the springs of the soul of tracks like Perennial quest. Schuldiner died at the end of 2001 at the age of 34, a victim of complications derived from a brain tumor practically forgotten, without being able to afford medical insurance and without funds for a second surgery, despite the fact that the metal community did what they could raising funds for his mother. Chuck reinvented metal in the 90s forever and the echoes of that anthological and last song called The fragile art of existence of the Control Denied project from 1999 still resonates. From a Taoist point of view we can say that Death was able to harmonize all the elements despite the fact that his music was heavily tinged with wood and water with brush strokes of metal and points of fire, expressing the creativity that flowed through his veins and the prediction of a future in which fear could prevail. If you have thought about going out for a run with the firme intention of remaining solid in spite of the difficulties, this is definitely the band that will run through your imagination with every stride.

Se dice que el 90% de las canciones a lo largo de la historia se basaron en sentimientos de oscuridad (tristeza, miedo, desolación, melancolía...) para proyectarla a través de la creatividad y crear arte sonoro. Se dice que la música es un lenguaje de cuarta dimensión que nace en lo más hondo del espíritu del ser humano pero que a diferencia de otras artes trasciende los sentidos del ser humano en espacio y tiempo. Katatonia, un rara avis en la escena del metal representan el cum laude de muchísimas facetas que definirían a un artista o conjunto de artistas como es el caso de esta banda. Nos estamos refiriendo a la elegancia en estado superlativo, la mayor de las honduras en el tratamiento de las emociones que bloquean a veces a las personas, en las texturas y pasajes musicales que difícilmente observamos en cualquier banda de la historia del rock. Los artistas nacen y se pulen. Esta gente vino de no se sabe dónde para registrar canciones absolutamente magistrales en las que además hacen alarde de un oído y un gusto por el sonido que hacen de su escucha algo realmente mágico. Katatonia pasó por la batidora algunas de sus influencias como The Cure, Nick Cave, Paradise Lost, Jeff Buckley, Porcupine tree o Morbid Angel regalándonos himnos como The Longest Year, Day and then shade, Ini the white, Rusted, Criminals, Last song before the fade, Evidence o Burn the remembrance perfilando el metal desde estructuras y tintes de rock alternativo. Cuando suena la música de esta banda, el corazón se estremece pero también se eleva como conduciendo al oyente a un estado de arraigo emocional o punto de partida que favorece el autoanálisis y la autobservación. En Taoismo dicen que para pasar de un estado de agua (miedo) madera (creatividad, estímulo) es necesario pasar por tierra (arraigo, certeza) y lo mismo de metal (tristeza) a fuego (alegría) es necesario pasar por tierra de nuevo. El talento de Renkse o Nyström, máximos exponentes de esta banda es ilimitado y se proyecta en melodías atemporales que un día serán recordadas como los clásicos de la música clásica. Sus elementos agua, madera y metal generarán espacios de análisis que te sorprenderán en cada escucha cuando descubras arreglos y matices que fingen ser una canción paralela pero que completan a la estructura principal. Muy recomendado para correr largas distancias.

It is said that 90% of the songs throughout history were based on feelings of darkness (sadness, fear, desolation, melancholy ...) to project it through creativity and create sound art. It is said that music is a fourth-dimensional language that is born in the deepest part of the human being's spirit but that, unlike other arts, transcends the human being's senses in space and time. Katatonia, a rare breed on the metal scene represent the cum laude of many facets that would define an artist or group of artists as is the case with this band. We are referring to elegance in the superlative state, the greatest of the depths in the treatment of the emotions that sometimes block people, in the textures and musical passages that we hardly see in any band in the history of rock. Artists are born and polished. These people came from no one knows where to record absolutely masterful songs in which they also flaunt an ear and a taste for sound that make their listening something truly magical. Katatonia went through the mixer some of his influences such as The Cure, Nick Cave, Paradise Lost, Jeff Buckley, Porcupine Tree or Morbid Angel giving us hymns such as The Longest Year, Day and then shade, Ini the white, Rusted, Criminals, Evidence or Burn the Remembrance outlining metal from structures and overtones of alternative rock. When the music of this band plays, the heart trembles but it also rises as if leading the listener to a state of emotional root or starting point that favors self-analysis and self-observation. In Taoism they say that in order to go from a state of water (fear) to wood (creativity, stimulation) it is necessary to go through earth (roots, certainty) and the same from metal (sadness) to fire (joy) it is necessary to go through earth again. The talent of Renkse or Nyström, maximum exponents of this band is unlimited and is projected in timeless melodies that will one day be remembered as the classics of classical music. Its water, wood and metal elements will generate analysis spaces that will surprise you with each listening when you discover arrangements and nuances that pretend to be a parallel song but that complete the main structure. Highly recommended for running long distances.

Aunque para muchos aún sigue siendo una banda desconocida y underground, Biffy Clyro, ha conseguido mantener en alto al rock alternativo de guitarras combativas prolongando la mística de Foo Fighters pero llevándola a unas dimensiones más impredecibles y originales. Auténticos ingenieros de la creación de estribillos memorables, Biffy Clyro se atrevieron a rescatar al gran productor de aquel primer disco bestial de Rage Against the Machine, el gran Garth 'GGGarth' Richardson pertrechando 3 magníficos plásticos que pasarán a la historia (Puzzle, Only revolutions, y Opposites) por su calidad compositiva, visión musical y capacidad de reinvención del rock alternativo, cuando ya apenas quedan bandas que apuestan por éste género que navega entre dos aguas (la más techno y sintética y la más extrema), es por ello que ellos son la última bandera de un estilo que morirá probablemente con ellos y que tantos amantes dejó desde la década de los 90´. Sería injusto decir que no nos encontramos ante la mejor banda de rock alternativo de la historia de Reino Unido. Sus canciones se estremecen en giros inesperados como mosaicos a los que hay que divisar desde la lejanía. Tuvieron el valor de comenzar el album Puzzle de 2007 con aquella magnífica sinfonía llamada ´Living is a problem because everything dies´ después de la pérdida irreparable de un ser querido, demostrando que la oscuridad nos puede ayudar a proyectar la capacidad de desdoblar los sentimientos más puros. En ese disco y los tres siguientes se aprecian la alegría, el agradecimiento, el sufrimiento, la tristeza, la esperanza y la nostalgia. Desde un punto de vista taoísta Biffy Clyro siempre quiso ser más punk en sus directos fruto de ese fuego y madera descomunales, pero que a mi entender queda equilibrado por el agua de esas hermosas baladas que reconfortan el alma. Tras una carrera prolífica de discos, caras-b, bandas sonoras, un montón de videoclips...Biffy siempre tendrán algo bajo la manga con lo que sorprendernos. Por cierto, esta banda tiene uno de los mejores setlist para salir a correr que jamás hayas imaginado. Debido a la alarma que estamos viviendo actualmente y ante la imposibilidad de salir a correr, el blog descansará por una temporada, aunque a la vuelta prometemos más sopresas.

PD: Este post está dedicado a nuestro amigo Bert que nos dejó recientemente dejándonos un legado lleno de humanidad. Gracias

Although for many people it is still an unknown and underground band, Biffy Clyro has managed to keep alive alternative rock full of combative guitars, prolonging the mystique of Foo Fighters but taking it to more unpredictable and original dimensions. Authentic engineers of the creation of memorable choruses, Biffy Clyro dared to rescue the great producer of that first bestial album from Rage Against the Machine, the great Garth 'GGGarth' Richardson releasing 3 magnificent plastics that will go down in history (Puzzle, Only revolutions, and Opposites) by its compositional quality, musical vision and capacity for reinvention of alternative rock, when there are hardly any bands left that bet on this genre that sails between two waters (the most techno and synthetic style and the most extreme one), that is why they are the last flag of a style that will probably die with them and that so many lovers have left since the 90's. It would be unfair to say that we are not dealing with the best alternative rock band in UK history. Their songs shudder in unexpected twists, like mosaics to be seen from afar. They had the courage to start the 2007 Puzzle album with that magnificent symphony called ´Living is a problem because everything dies´ after the irreparable loss of a loved one, demonstrating that darkness can help us to project the ability to unfold the most pure feelings. In this album and the following three, joy, gratitude, suffering, sadness, hope and nostalgia are appreciated. From a Taoist point of view, Biffy Clyro always wanted to be more punk in their live-gigs thanks to that enormous fire and wood, but which in my opinion is balanced by the water of those beautiful ballads that comfort the soul. After a prolific career of albums, B-faces, soundtracks, lots of video clips ... Biffy will always have something up their sleeve with which to surprise us. By the way, this band has one of the best setlist to go running that you have ever imagined. Due to the alarm we are currently experiencing and the impossibility of going out for a run, the blog will rest for a while, although on the return we promise more surprises.

PS: This post is dedicated to our friend Bert who recently left us with a legacy full of humanity. Thank you

No es fácil comenzar a hablar de una banda que llegó a generar un estilo propio dentro de aquel movimiento industrial con bandas como Ministry, Killing Joke, Pitchsifter o Godflesh. Fear Factory acabó siendo el icono de una dirección musical cuasi perfecta en la que los ritmos automatizados con instrumentos clásicos hicieron de su música una auténtica ingeniería artística difícilmente igualable hasta por ellos mismos. Todos recordamos aquel segundo álbum llamado Demanufacture de 1995 en el que sentaron cátedra de la excelencia rítmica con artificios de Sepultura y el proyecto paralelo de Max Cavalera de nombre Nailbomb, pero no fue hasta 2004 cuando completaron su obra magna Archetype donde la banda plasmó en un album toda su inspiración con la ayuda a los controles del mago Rhys Fulber que ha acompañado en el sonido a esta banda en casi todo su periplo musical. La época de 2004-2005 con Wolbers a las guitarras me pareció sumamente interesante ya que se acerca más a un paradigma más musical en la definición de sus canciones. Pero la máquina paradógicamente sufriría fluctuaciones y altibajos con constantes cambios de formación hasta llegar al bloqueo actual. A punto estuvo la banda original de volver en 2018 pero las desavenencias pudieron. Ojalá pueda volver esta banda fantástica en sus composiciones y ejecución y única en su manera de entender la música. A nivel taoísta, Fear Factory hacen brillar el fuego y el metal al mismo tiempo, tanto que te darán el impulso suficiente para todo el día y al mismo tiempo mecanizan los automatismos de sus estructuras musicales como si esculpieran en una piedra un rodamiento calculado. Para correr durante durante 45-50´es la opción perfecta. 

It is not easy to start talking about a band that came to create their own style within that industrial movement with bands such as Ministry, Killing Joke, Pitchsifter or Godflesh. Fear Factory ended up being the icon of a quasi-perfect musical direction in which the automated rhythms with classical instruments made their music an authentic artistic engineering hard to match even by themselves. We all remember that second album called Demanufacture from 1995 in which they set a master´s degree of rhythmic excellence with artifices of Sepultura and Max Cavalera´s project called Nailbomb, but it was not until 2004 when they completed their best work and masterìece Archetype where the band reflected in one album all their inspiration with the help at the controls from the magician Rhys Fulber that has helped them in the sound in almost all their musical career. The 2004-2005 era with Wolbers on guitars seemed extremely interesting as it is closer to a more musical paradigm in the definition of their songs. But the machine paradoxically would suffer fluctuations and ups and downs with constant line-up changes until reaching the current block. The original band was about to return in 2018 but the disagreements won. I wish  this magnificient band could be back in their compositions and performance and unique in its way of understanding music. At a Taoist level, Fear Factory shines fire and metal at the same time, so much that they will give you enough thrust for the whole day and at the same time mechanize the automatisms of their musical structures as if they carved a calculated bearing on a single stone. To run for 45-50 'is the perfect option.

Alineados al inicio con bandas de comienzos de los 90' como Carcass o Cannibal Corpse de corte más visceral en las temáticas de sus letras así como su despliegue técnico en la composición de sus canciones, Gorefest pronto se hizo con un sitio en la escena catapultados en sus comienzos por el sonido de Colin Richardson, renombrado y magistral productor de referencia de aquella época. Fueron legendarias sus giras y festivales como su participación en el Dynamo Open Festival en el que la crítica se rindió a sus pies gracias también al admirable trabajo compositivo de su disco de cabecera Erase de 1994, y que sin embargo supuso el epílogo a un estilo con el que sintieron la necesidad de salir. En 1996 sorprendieron con un Soul Survivor que rezumaba Death roll de quilates afianzado por su sensacional Chapter 13 de 1998 que a mí parecer es una obra maestra que articula ritmos, solos, armonías, riffs, interludios admirables y dignos de mención propios de artistas con mucho background con un gusto especial. Su cantante Jan-Chris de Koeijer dio en el clavo al alterar su registro de growls graves haciéndolo más melódico en los estribillos. Contra todo pronóstico los fans y la crítica dieron la espalda a ese cambio de rumbo alejado del Death metal más bizarro o de estructuras más previsibles y la banda se disolvió. Volvieron a intentarlo después con dos discos más, quizá el disco La Muerte de 2005 fue más inspirado en lo compositivo que su sucesor pero en ambos había una intención clara de volver a sus raíces pero desde un prisma más maduro y técnico en el planteamiento. Desgraciadamente, la banda en 2009 anunciaba su disolución final expresando que lo habían dado todo como banda. Siempre nos quedarán canciones como Nothingness, Dragon Man o Rogue State que te harán sentir como si estuvieras corriendo sobre compases y bises holográficos en vez de sobre asfalto. Desde un punto de vista taoísta esta banda de culto exprime el elemento madera por encontrarse a sí misma en nuevos cauces compositivos y reinventarse hasta el infinito.

Contra todo pronóstico la melodic Swedish Death Metal Wave de Suecia se diluyó antes de que sus estandartes consiguieran instalarse de forma definitiva. Unos porque renegaron de su estilo, otros porque cambiaron de cantante, otros porque no encontraron sello que les produjeran sus discos, otros porque no se dieron cuenta en su tiempo de que lo que estaban haciendo era realmente increíble, otros por desgaste...pero afortunadamente Soilwork como su nombre indica siguieron trabajando duro para ser respetados en la escena y aunque no haya logrado ser una banda de grandes aforos ha mantenido una constante y coherente evolución en su estilo de música, gracias en gran medida al talento ilimitado de su cantante incombustible Strid (único componente de la formación inicial que aún permanece en el seno de la banda) y los magníficos músicos que también sufrieron imparables cambios de formación que la exigencia de la carretera y una trayectoria dilatada y muy prolífica generó. Soilwork, que fueron por el camino de la máxima complejidad compositiva, en esta última época acabaron por distanciarse de sus orígenes tocando ramas coincidentes con el metal progresivo. Pero si hay un grupo que nunca tiró la toalla y que salió adelante con lo que tenía ése es Soilwork, músicos totales trabajando con los mejores productores de su estilo y ofreciendo un directo épico y siempre profesional. Atrás quedaron aquellos primeros discos con Fredrik Nordström donde la velocidad primaba con increíbles Up tempos y solos de dobles armonías para pasar a una mayor sofisticación y magnificencia a partir de 2010 llegando a grabar un disco doble. Desde un punto de vista taoísta Soilwork serían puro fuego por esa capacidad de incendiar la energía con ritmos y riffs pletóricos pero también madera por una creatividad infinita y un trabajo cuasi extenuante de disco-gira-disco-gira, así como una generosidad de todos los músicos consigo mismos para que la máquina suene como un mecanismo articulado. Si quieres salir a darlo todo en tu carrera diaria dale al play. No te costará levantar el espíritu con las ráfagas de Soilwork.

Against all odds the Melodic Swedish Death Metal Wave was diluted before its banners were finally installed. Some because they denied their style, others because they changed singer, others because they did not find a company that produced their records, others because they did not realize in their time that what they were doing was really incredible, others because of wear ... but Fortunately, Soilwork, as the name suggests, kept on working hard to be respected on the scene and although they have not managed to be a band of sold outs, they have maintained a constant and consistent evolution in their music style, in a large extent thanks to the unlimited talent of its fireproof singer Strid (the only component of the initial line-up that still remains within the band) and the magnificent musicians who also underwent unstoppable training changes that the road requirement and a long and very prolific career generated. Soilwork, which went down the path of maximum compositional complexity, in this last era ended up distancing themselves from their origins by touching branches coinciding with the progressive metal. But if there is a group that never threw in the towel and that went ahead with what it had that is Soilwork, total musicians working with the best producers of their style and offering an epic and always professional live. Gone are those first albums with Fredrik Nordström where speed prevailed with incredible Up tempos and double harmonies solos to move to greater sophistication and magnificence from 2010 onwards, even to record a double album. From a Taoist point of view Soilwork would be pure fire for that ability to burn the energy with rhythms and plethoric riffs but also wood for an infinite creativity and a quasi-exhausting work of album-tour-album-tour, as well as a generosity of all musicians with themselves so that the machine sounds like an articulated mechanism. If you want to go out and give it your all in your daily running, just press play. It will not cost you to lift the spirit with the bursts of Soilwork.

A decir verdad nunca fui un seguidor musical de Kreator. De hecho me acerqué a su música tras la publicación de su interesante album Endorama de 1999, que curiosamente supuso el abandono de muchos de sus fans por salirsde del camino trazado. Pero a decir verdad, de nuevo, las señales que fueron mostrando en la segunda parte de los 90´ no iban por buen camino y tanto la crítica musical como los fans les dieron la espalda. Kreator entonces tuvo que sortear inmunerables dificultades de todo tipo, audiencias desiertas, poco apoyo de sellos discográficos menores, abandono de componentes... todo indicaba que aquella banda germana que lideró el movimiento Thrash alemán de los 80´ y que se asoció muy bien en festivales al mismo movimiento de las bandas de las west/east coasts (Slayer, Death, Morbid Angel, Obituary, Metallica, Cannibal Corpse...) emergió contra todo pronóstico refundandose en su propio estilo y facturando desde 2001, 5 discos de una magnitud colosal. Esto ha sido posible gracias a la visión de su guitarrista y cantante Mile Petrozza, el talento innato del guitarrita finlandés Sami Yli-Sirniö y la velocidad y capacidad de asumir riffs vertiginosos de Jürgen "Ventor" Reil  así como de contar con el mejor sonido de los últimos tiempos (Andy Sneap, Moses Schneider o Jens Bogren) Hoy es cabeza de cartel en casi todos los festivales por su intenso y superlativo directo. Quizá, el secreto de esta banda considerada ya una banda de culto y admirada nivel mundial ha sido conjugar la velocidad, el talento compositivo, el mejor sonido posible y un crecimiento como músicos atípico en esa escena. En sus composiciones sin que te des cuenta, se aprencian aromas de Slayer, Rage, dobles armonías de Iron Maiden, ritmos de Sepultura u Obituary o arpegios de Gorefest. Desde una visión taoísta Kreator integran el elemento fuego por su expansión sónica, la madera por su constante perserverancia en su sonido pero también agua por esa fuerza de voluntad de seguir intentando demostrar que aún podrían redefinir el camino marcado.

To tell you the truth, I was never a Kreator music follower. In fact, I approached their music after the release of their interesting album Endorama from 1999, which curiously meant the withdrawal of many of their fans out of the path. But to tell the truth again, the signals that were showing in the second part of the 90´ were not going well and both music critics and fans turned their backs on them. Kreator then had to overcome countless difficulties of all kind like, deserted audiences, little support from minor record labels, withdrawal of musicians... everything indicated that the German band that led the German Thrash movement of the 80's and that was associated very well in festivals at the same movement of bands from the west / east coasts (Slayer, Death, Morbid Angel, Obituary, Metallica, Cannibal Corpse ...) emerged against all odds recasting in their own style and releasing since 2001, 5 records of a colossal magnitude. This has been possible thanks to the vision of his guitarist and singer Mille Petrozza, the innate talent of the Finnish guitarist Sami Yli-Sirniö and the speed and ability to assume vertiginous riffs of Jürgen "Ventor" Reil as well as having the best sound of the last times (Andy Sneap, Moses Schneider or Jens Bogren). Today they are headliner in almost every festival by their intense and superlative direct. Perhaps, the secret of this band already considered as a cult band and admired worldwide by combining speed, compositional talent, the best possible sound and a atypical growth as musicians in that scene. In their compositions without you noticing, aromas of Slayer, Rage, double harmonies of Iron Maiden, rhythms of Sepultura or Obituary or arpeggios of Gorefest are appreciated. From a Taoist vision, Kreator integrates the fire element for its sonic expansion, the wood for its constant persistence in their sound but also water for that willpower to continue trying to prove that they could still redefine the marked path.

La banda Incubus emergió a mediados de los 90 heredando la alquimia de Faith No More cuando éstos decidieron poner punto y final a su andadura musical, mezclando el nu metal sincopado con ritmos funkies, sonidos de turntables y alma surfera. Particularmente, comencé a conectarme con ellos tras la publicación de Make Yourself de 1999 tras un primer disco funkadelico y un segundo con virajes al nu metal. En Make Yourself la banda alcanzaba el equilibrio deseado firmando canciones redondas compositivamente con pegada y sonido reluciente. Continuaron por esa senda de sonido de guitarras con desarrollos propositivos de rock y metal lanzado. A destacar la facturación y el sonido bestial logrado en el álbum de 2004 A crow left of the murderer con Brendan O'Brien a los controles (uno de los discos de rock mejor producidos de la historia), pero aquella efervescencia fue diluyéndose con discos posteriores y producciones muy experimentales que aunque mantenían la profesionalidad y la tensión rockera e incluso ambient con toques chill out caminando más al minimalismo y la tibieza acabaron obviando el aspecto más metálico y crujiente de su música que quizá los hacía expandirse en directo echándose de menos la labor de su anterior bajista Alex Katunich. No obstante Incubus tienen al menos 20 hermosas canciones genialmente compuestas que captan el flow y el groove y que te aportarán entusiasmo, solidez y ritmo a tu zancada diaria. Desde un punto de vista taoísta, Incubus emanó mucha madera por esa creatividad infinita, fuego por la alegría que desprenden sus canciones evocando al verano y cierta tierra por esas dosis de incertidumbre/sensatez, desasosiego/templanza que subyace de la voz de Brandon Boyle, marca de la casa que le convierte en uno de los mejores vocalistas de los últimos 25 años.  

The band Incubus emerged in the mid-90s inheriting the alchemy of Faith No More when they these decided to put an end to their musical journey, mixing the syncopated nu metal with funkies rhythms, turntable sounds and surfer soul. Particularly, I began to connect with them after the release of Make Yourself in 1999 after a first funkadelic album and a second one with turns to the metal. In Make Yourself the band got the desired balance by signing round songs compositionally with glue and gleaming sound. They went on that path of guitar sound with proactive developments of rock and inventive metal. To highlight, the turnover and the bestial sound achieved in the 2004 album A crow left of the murderer with Brendan O'Brien at the controls (one of the best produced rock records in history), but that effervescence was diluted by later albums and very experimental productions that although they maintained the professionalism and the rock tension and even ambient with chill out touches walking more to minimalism and the warmth they ended up obviating the more metallic and crunchy aspect of their music that perhaps made them expand at live gigs, missing the work from his previous bassist Alex Katunich. However, Incubus have at least 20 beautifully composed songs that capture the flow and the groove and that will give you enthusiasm, solidity and rhythm to your daily stride. From a Taoist appoach, Incubus emanated a lot of wood for that infinite creativity, fire for the joy that their songs radiated, evoking the summer and a certain land for those doses of uncertainty / sense, restlessness / temperance that underlies Brandon Boyle's voice, trademark that makes him one of the best vocalists of the last 25 years.

Si pudieramos elegir 6 bandas selectas del death metal melódico sueco Hypocrisy formarían parte de dicho grupo por méritos propios (las otras cinco serían In Flames, Dark Tranquillity, At The Gates, Arch Enemy y Soilwork). Cuarteto convertido en trío, Hypocrisy fueron una banda que abrieron camino a otras y como tal tuvo que lidiar con las dificultades de los pioneros. Con un amago de retirada en 1997 volvieron con más fuerza aún editando álbumes con una fluidez apabullante hasta el 2004 (entre 1992 y 2005 Hypocrisy publicaron 10 discos (batiendo seguramente el record de prolificidad) pero aquello fue frenando poco a poco motivado sobre todo por el declive de la industria del cd y también en parte por los proyectos paralelos de Peter Tägtgren, su guitarra y cantante. Hypocrisy junto a At The Gates fueron los pioneros en 1992 de un sonido y una corriente musical que daría la vuelta al mundo pero Hypocrisy siempre fueron un poco por libre con un sonido más americano con solos apoteósicos incluyendo marcados wah-wahs, escalas velocísimas, caballitos y ritmos más industriales además del peculiar sonido de los estudios Abyss. Siempre fieles a un sonido y a una propuesta musical, Hypocrisy encadenaban canciones cercanas a veces al doom, con otras super melódicas o endiabladamente thrashers o blackers. Es posiblemente una de las las primeras bandas de metal que ha hablado en sus letras sobre otros mundos y alienígenas. Sin duda una banda llena de calidad y creatividad que hizo de la música himnos tan conocidos como Hatred, Penetralia, Stillborn, Unfold the sorrow, Reversed Reflections, Weed out the weak, Compulsive Psychosis o End of disclosure, marcando registros de voz tan amplios que pueden ir desde el brutal death al black metal. Desde un punto de vista taoista, Hypocrisy representan madera por esa persistencia y ahínco en el tiempo y también agua porque su sonido y sus letras evocan un inconsciente que a veces representa una realidad tangible no observable. Parace que en 2019/2020 publicarán un nuevo disco.

La primera vez escuché a estos griegos fue en aquellos años que íbamos varios amigos a escuchar a una tienda del Casco Viejo, premiers y nuevas bandas que surgían especialmente del norte de Europa. Al cruzar por la puerta en 1998 sonaba Dance Across the Past de una banda griega conocida sólo en el undreground de su país pero que ya había grabado en Suecia su anterior disco con Dan Swäno y que repertiría al año siguiente y al siguiente con Fredrik fredrik Nordström en los Fredman Studios con colaboraciones de miembros de In Flames en solos de guitarra, todo ello en plena expansión del Death melódico sueco. Lo curioso es que esta banda mezclaba voces con tintes de Max Cavalera de Sepultura con melodías y riffs de la escuela sueca. Mención especial fueron los dos últimos discos de parecen uno sólo por la similitud del sonido y de la propuesta musical. El talento y la genialidad de Illiopoulos a la guitarra se complementaba con el sentido de la musicalidad de sus compañeros Tanto Dance Across the Past como Traumaticon despliegan en sus 84 minutos de duración el mayor número de riffs brillantes que puedes encontrar en un disco de este género con el sonido de las guitarras delante de tu cara todo el rato y con el ritmo de la batería acompañandolo sin descanso. Sin causar sopresa finalizan Dance Across the Past con la versión Territory de Sepultura. Despúes Illiopoulos inició su camino a través de la banda Nightrage con diferentes formación con la que ha llegado grabar 8 discos con un nivel de calidad compositiva muy aceptable. Desde una visión taoista, Exhumation rezuman puro metal por esa aflicción desgarrada en las armonías pero mucho fuego al mismo tiempo por la incomensurable energía e intensidad que imprimen a sus ritmos y a su sonido. Un gran playlist para acompañarte en carreras con desafío.

The first time I heard these Greeks was in those years that some friends went to listen to a store in the Old Town, premiers and new bands that came especially from northern Europe. When crossing the door in 1998, Dance Across the Past sounded from a Greek band known only in the undreground of their country but had already recorded in Sweden their previous album with Dan Swäno and that they would repeat the following year and the next year with Fredrik Fredrik Nordström at Fredman Studios with collaborations of members of In Flames on guitar solos, all in full expansion of the Swedish melodic Death metal. The funny thing is that this band mixed voices with Max Cavalera´s hints from Sepultura with melodies and riffs of the Swedish school. Special mention were the last two albums of seem one only because of the similarity of the sound and the musical proposal. The talent and genius of Illiopoulos on guitar was complemented by the sense of musicality of his companions Both Dance Across the Past and Traumaticon display in their 84 minutes duration the largest number of bright riffs that you can find on a disc of this genre with the sound of the guitars in front of your face all the time and with the rhythm of the drums accompanying them without rest. Without causing surprise, they finish Dance Across the Past with the Territory version of Sepultura. Then, Illiopoulos began his career through the Nightrage band with different line-ups with which he has recorded 8 albums with a very acceptable level of compositional quality. From a Taoist vision, Exhumation sweats pure metal for that affliction torn in the harmonies but a lot of fire at the same time for the incommensurable energy and intensity that imprint their rhythms and their sound. A great playlist to accompany you in challenging races.

Cuando reventó la escena musical a principios de los 90 como un racimo de uvas (escena metal industrial, grunge, black metal, death melódico, hardcore melódico, rock progresivo, rock alternativo...) una banda de la escena sueca emergía sin complejo para facturar 4 discos en 4 años discos supremos más un Minicd impresionante de 1995. Probablemente la banda más influyente desde Metallica, batiendo su récord de discos significativos en menos años (Metallica logró poner en el mercado 4 discos rompedores en 7 años). In Flames se convirtió en la banda sonora de un montón de jóvenes europeos y pasados los 00 de toda una legión de fans americanos cuando la prensa especializada los aupó al olimpo de los cielos. In Flames desafío la gravedad al conjugar muchos ingredientes reconocibles que nadie antes había sinterizado de una manera tan magistral y reconocible, Hablaban el lenguaje de Iron Maiden, pero también de estructuras folk e incluso celtas, riffs thrashers, up tempos vertiginosos, voces guturales, solos absolutamente magistrales, cambios de ritmo inesperados y una producción sólida y embutida como no, del mago Fredrik Norstrom, la semilla ya se puso en 1994 con aquel primerizo Lunar Strain al que le seguirían 4 discos inolvidables para la historia de la música. Aquello era una victoria musical disco tras disco hasta llegar al quizá mejor disco producido de la historia de este movimiento como es Colony de 1999, aunque sus predecesores ya habían sonado brutales (The Jester Race y whoracle). La colección finalizó en el 2000 con Clayman con aún temazos en sus vitrinas pero la historia dio un giro de 180 grados e In Flames fueron paulatinamente orientándose cada vez al público americano componiendo más desde enfoques musicales próximos al metalcore melódico hasta suavizar su música y hacerla accesible a un público muy amplio, mientras una ristra de músicos iban pasando por la formación. A veces he pensado que sería increíble una formación de músicos que ya no están en la banda que diera lugar a una nueva banda que retomara aquella intensidad, algo así como Svensson a la batería, Strömblad, Ljungstrom las guitarras, Larsson al bajo y Forss a las voces. Desde un punto de vista taoísta In Flames reviste muchísimo fuego por esa intensidad y entusiasmo en sus composiciones, agua por la sabiduría de sus armonías, mucha madera capaz de imprimir energía a cada pieza musical y muchísimo metal por ese sentimiento desgarrado, emotivo y de una profundidad como nadie ha sabido plasmar aún en la historia de la música, y al mismo tiempo Tierra por la confianza y convicción que tenían en sí mismos. De esos 4 discos geniales + el minicd Subterranean (95´-00´) con inclusiones de canciones puntuales relevantes de sus discos posteriores se pueden rescatar hasta 33 canciones sobresalientes para las zancadas en tu próxima media maratón 

When the music scene burst in the early 90's like a bunch of grapes (industrial metal scene, grunge, black metal, melodic death, melodic hardcore, progressive rock, alternative rock ...) a band from the Swedish scene emerged without complex releasing 4 albums in 4 years supreme albums plus an impressive Minicd of 1995. Probably, the most influential band since Metallica, beating its record for significant records in less years (Metallica managed to put 4 breaker albums on the market in 7 years). In Flames became the soundtrack of a lot of young Europeans and after 00´s of a whole legion of American fans when the specialized press took them to the Olympus of heaven. In Flames defied gravity by combining many recognizable ingredients that no one had synthesised in such a masterful and recognizable way before. They spoke the language of Iron Maiden, but also folk and even Celtic structures, thrashers riffs, up vertiginous tempos , harsh vocals, awesome solos, absolutely masterful and  unexpected rhythm changes and a solid and inlaid production of course, by the magician Fredrik Norström. The seed was already put in 1994 with that first Lunar Strain that would be followed by 4 unforgettable albums for the history of music. That was a musical victory album after album until arriving at perhaps the best album produced in the history of this movement as is Colony of 1999, although its predecessors had already sounded brutal (The Jester Race and whoracle). The collection ended in 2000 with Clayman with still has great songs in his showcases but the story took a 180 degree turn and In Flames gradually became increasingly oriented to the American public composing more from musical approaches close to melodic metalcore to soften their music and make it accessible to a very wide audience, while some musicians were going through its line-up. Sometimes I thought it would be incredible a line-up of musicians who are no longer in the band that would reform a new band that resume that intensity, something like Svensson on drums, Strömblad, Ljungstrom as guitar players,, Larsson on bass and Forss on the voices. From a Taoist approach, In Flames burns a lot of fire by that intensity and enthusiasm in its compositions, water for the wisdom of its harmonies, a lot of wood capable of printing energy to each musical piece and lots of metal metal by such feeling torn and emotional depth like nobody else has managed to capture even in the history of music, and at the same time earth for the confidence and conviction they had in themselves. Up to 33 outstanding songs can be rescued for your strides in your next half marathon of those 4 great albums + the Subterranean minicd (95-00´) with inclusions of relevant specific songs from their later albums, 

En 1996 una banda americana firmaba uno de las mejores canciones de la banda sonora del Cuervo ciudad de Angeles dando el relevo a la genial primera bso de la película original de Brandon Lee. Gracias en parte a aquella canción, la banda de Richard Patrick comenzó a crecer como la espuma completando la ecuación que constaba de música industrial de bandas como Killing Joke, Industry o NIN de la cual Patrick había sido miembro fundador, líneas de guitarra de rock alternativo (en el metal sus homólogos Fear Factory se convertirían en los reyes de la escena) bajos rítmicos y melódicos con un protagonismo sin igual, una voz desgañitada de agudos y fantásticas armonías y una sección rítmica como nunca había sonado antes. Ya en 1999 grababan el súper álbum Title Of Record completándolo con el siguiente de 2002 The Amalgamut y volviendo en 2010 con otro genial álbum que sonaba por los 4 costados The Trouble of Angels, discos en los cuales se atrevían a hacer ritmos y melodías con un groove híper pegadizo hasta acústicas llenas de sentimiento. Si te gusta el running y te encantan las bases saltongas y súper acompasadas con riffs contagiosos y líneas vocales que progresan y estallan en el estribillo definitivamente esta es la banda. La banda sufrió diferentes cambios en su line-up pero quizá el más sólido pudo ser aquel del período 1999-2002 con el inimitable productor Ben Grosse y la calidad sensacional que imprimió en el sonido a la banda. Desde una visión taoísta Filter recuerdan a una secuencia de madera Yin con un Fuego inusitado y un encogimiento metálico con momentos de mirada interior y al pasado fruto de algunas letras basadas experiencias personales que completan el movimiento.

In 1996 an American band signed one of the best songs of the soundtrack of the Crow City of Angels relieving that great first bso of the original Brandon Lee movie. Thanks, in part to that song, Richard Patrick's band began to grow like the foam completing the equation consisting of industrial music from bands like Killing Joke, Industry or NIN of which Patrick had been a founding member, alternative rock guitar lines (in the metal style their counterparts Fear Factory would become the kings of the scene) rhythmic and melodic bass with an incomparable prominence, a disheveled voice of high and fantastic harmonies and a rhythm section like never seen before. Already in 1999, they recorded the super album Title Of Record by completing it with the following 2002 The Amalgamut and returning in 2010 with another great album that played on the 4 sides called The Trouble of Angels, albums in which they dared to make rhythms and melodies with a Groove catchy hyper to acoustics full of feeling. If you like running and you love the jumbo bases and with contagious riffs and vocal lines that progress and explode in the chorus, this is definitely the band. The band underwent different changes in its line-up but perhaps the most solid could be that from the 1999-2002 period with the inimitable producer Ben Grosse and the sensational quality that he printed on the sound to the band. From a Taoist vision Filter reminiscent of a Yin wood sequence with an unusual Fire and a metallic shrinkage with moments of inner gaze and the past fruit of some letters based on personal experiences that complete the movement.

Pocas bandas podrían definirse como únicas, de culto o singulares, pero lo cierto es que Tool es una banda única en sí misma en la historia de la música con sólo 4 discos en su carrera (a finales de agosto lanzarán el número 5). La crítica tardó al menos 3 años desde su obra maestra Aenima de 1996 en reconocerles el mérito que se merecían. Su música es indefinible, pero sabe conectar con millones de personas, estructuras rítmicas cuasi matemáticas que ensamblan a todos los instrumentos que participan de manera minimalista y no sofisticada sin alardes de virtuosismo a excepción de los fills y ritmos sincopados imaginativos del batería Danny Carey. Quizá la banda que mejor representa el alineamiento y coprotagonismo de todos sus músicos. Keenan el cantante explora territorios y lugares poco comunes con su aterciopelada voz a la vez que resulta del todo familiar por su registro emocional. Cada uno de los discos suena mejor que el anterior. Su música te lleva a dimensiones de la conciencia y de la imaginación que pocos grupos han logrado comunicar. Es un viaje sónico íntimo y universal al mismo tiempo.  Desde una visión taoista Tool representan todos los elementos porque el equilibrio y el yin-yang está presente de principio a fin en todas sus canciones y será probablemente una de las mejores bandas para correr carreras de larga distancia. Tool sobrevivieron a los difíciles 90 y 00´cuando el rock se metalizó y ahora 13 años después volverán a intentarlo con un nuevo album que a buen seguro volverá a hacer historia. 

Few bands could be defined as unique, cult or singular, but the truth is that Tool is a unique band in the history of music with only 4 albums in its career (at the end of August they will release number 5). Critics took at least 3 years since his 1996 masterpiece Aenima to recognize the merit they deserved. His music is indefinable, but they know how to connect with millions of people, quasi-mathematical rhythmic structures that join all the instruments that participate in a minimalist and unsophisticated way without boasting of virtuosity except for the fills and imaginative syncopated rhythms of the drummer Danny Carey. Perhaps the band that best represents the alignment and co-starring of all its musicians. Keenan, the singer, explores unusual territories and places with his velvet voice while being completely familiar for his emotional register. Each album sounds better than the previous one. Their music takes you to dimensions of consciousness and imagination that few groups have managed to communicate. It is an private and universal sonic journey at the same time.From a Taoist approach, Tool represent all the elements because balance and yin-yang is present from beginning to end in all their songs and will probably be one of the best bands for running long distance races. T ool survived the difficult 90 and 00 'when rock became metallic and now 13 years later they will try again with a new album that will surely make history again.

Algunas bandas generan estilos sin quererlo de forma premeditada y a medida que avanza el tiempo su manera de tocar se vuelve fiel a sí misma. Esto es lo que le ocurrió a Sentenced que junto a Amorphis abrieron camino a otras bandas dentro del metal gótico con tintes rockeros y thrasers. Presencié su último concierto como banda en Gernika en clave de clara despedida. Nunca sabremos si tenían planes de reunión pero desgraciadamente la pérdida de su fantástico guitarrista solista Miika Tenkula que se erigió en uno de los mejores solistas de la escena finlandesa, definitivamente impidió una hipotética reunión. Sentenced comenzaron facturando death metal de la vieja escuela para seguir con influencias de los Metallica de los 80´ y Paradise Lost de los 90´hasta que con su disco Frozen de 1998 fueron optando por un estilo más orientado al rock gótico con bases sólidas y la voz rasgada de Lahiala. Desde una visión taoista Sentenced expresa mucho metal por esa melancolía en sus letras que curiosamente no se ve tan reflejada en su música llena de madera por esa visión independiente y capaz de grabar discos con frecuencia pero también de tierra por su line-up estable y por mantener un estilo propio y con algunas influencias del folklore finlandés. Grandes canciones como Farwell, Broken, Nepenthe, Neverlasting, Noose, Bleed, One More day o Home in despair. Música muy apropiada para correr con emotividad rescatando las cosas buenas de la vida.

Some bands create styles without wanting it in a premeditated way and as time progresses their way of playing becomes true to itself. This is what happened to Sentenced that, along with Amorphis, opened the way to other bands within the gothic metal with rock and thrasher tints. I attended their last concert as a band in Gernika in the key of clear farewell. We will never know if they had reunion plans but unfortunately the loss of his fantastic solist guitarist Miika Tenkula who became one of the best solists guitar players of the Finnish scene, definitely prevented a hypothetical meeting. Sentenced began performing old school death metal to go on with several influences like bands like Metallica from 80´s and Paradise Lost from 90' s ​​until with their 1998 Frozen disc they opted for a style more oriented to the gothic rock with solid bases and the torn voice from Lahiala. From a Taoist vision Sentenced expresses a lot of metal because that melancholy and sadness in their lyrics that curiously is not reflected in their music full of wood by that independent vision and capable of recording discs frequently but also of earth because of their stable line-up and by maintaining a style of their own and with some influences of Finnish folklore. Great songs like Grandes canciones como Farewell, Broken, Nepenthe, Neverlasting, Noose, Bleed, One More day o Home in despair. Very appropiate music to run with emotion, looking on the bright side of life.

Recuerdo que en el aeropuerto de Mexico DF me acerqué a una tienda de discos y tan pronto entré vi un póster de la nueva super banda Audioslave (genial nombre para una banda y genial portada para un primer disco homónimo incluido su logo). Sentarse a escuchar ese disco fue una sensación agridulce porque se entremezclaban grandes composiciones de un lirismo apabullante con otras que se quedaban a medio camino entre las dos bandas seminales. Con el paso del tiempo el disco ganó en calidad tras sucesivas escuchas y sentí que estaba ante una pieza maestra fruto de un enorme esfuerzo creativo. Creo que una producción un poco más sólida desde la parte percusiva habría dado más brillo a este disco y al siguiente. Gracias a esta banda Chris Cornell profundizó más en su carrera en solitario con una mente más abierta hacia el rock en general. 3 años después, En 2005 llegaría su segundo disco que pasó bastante desapercibido para la crítica pero que a mi juicio es el más completo como concepto de disco sin canciones de relleno, con más ritmos, y variantes en las melodías. Quizá el disco con más groove de su discografía. Para 2006 cuando la separación se olía, llegó su disco póstumo con una sugerente portada y quizá el mejor en sonido, pero Brendan O´Brien no pudo levantar las composiciones desde los controles y la cosa terminó ahí con diferencias entre los miembros de la banda que habían girado a nivel compositivo hacia el funk y rock psicodélico de los 70´en el que la voz de Cornell no brillaba. en 2017 volverían a juntarse para hacer algunos conciertos pero la reunión no llegó a término por la pérdida de Cornell. Desde la MTC, analizando trallazos como I´m the highway, Man or Animal, Cochise, Revelations,Like Stone, Dandelion, Shadow on the sun, Be Yourself, The Worm, Out of exile, Your time has come, Wide Awake o what you are, se atisban muchos elementos de metal/agua por la energía yin de Cornell pero también el yang del fuego en los temas más rockeros a nivel instrumental y por parte de la voz cascada de Cornell. Un repertorio muy chulo para salir a correr 1 hora sin preocupaciones.

I remember that at the Mexico City airport I went to a record store and as soon as I entered I saw a poster of the new super band Audioslave (great name for a band and great cover for a first self-titled album including its logo ). Sitting down to listen to that record was a bittersweet feeling because great compositions of an overwhelming lyricism intermingled with others that were halfway between the two seminal bands. With the passage of time the album gained in quality after more listenings and I felt that it was in front of a masterpiece fruit of an huge creative effort. I think that a slightly more solid production from the percussive part would have given more brilliance to this record and the next one. Thanks to this band, Chris Cornell went deeper into his solo career with a more open mind towards rock in general. 3 years later, In 2005 his second album passed quite unnoticed by the critics but in my opinion it is the most complete as a album concept without filler songs, with more rhythms, and variations in the melodies. Maybe the album with the most groove of their discography. For 2006 when the separation was smelled, his posthumous album came with a suggestive cover and perhaps the best in sound, but Brendan O'Brien could not lift the compositions from the controls and the thing ended there with differences between the members of the band that they had turned at the compositional level towards the funk and psychedelic rock of the 70's when Cornell's voice did not shine. in 2017 they would come back together to do some concerts but the meeting did not come to an end due to the loss of Cornell. From the MTC, analyzing shots like I'm the highway, Man or Animal, Cochise, Revelations, Like Stone, Dandelion, Shadow on the sun, Be Yourself, The Worm, Out of exile, Wide awake, Your time has come or What you are, you can see many elements of metal / water by the Cornell yin energy but also the yang of the fire in the more instrumental rock songs and by the Cornell cascade voice. A very cool setlist to go running for 1 hour without worries.

En marzo de 1992 Rage Against The Machine actuaban de forma casi anónima interpretando su primer disco en una tienda discos, Sólo un año después, pasarían de actuar en pequeños locales a hacerlo en estadios frente a decenas de miles de fans convirtiéndose en fenómeno musical del mundo junto al grunge y bandas como Pantera acaparando todas las portadas de las revistas especializadas. Jamás se había visto tanta fuerza en una banda primeriza con un sonido tan bueno para un primer disco (producido por un auténtico desconocido llamado Garth Richardson que sólo les produciría este disco trabajando después con bandas alternativas notables como Biffy Clyro, Big Wreck o Chevelle), después lo haría siempre Rick Rubin. Como diría Tom Morello (ése genial guitarrista que hacía sonar su guitarra como un scratch) al explicar la separación RATM tenía elementos extremadamente combustibles que la hacían vulnerable a tener una carrera musical larga. RATM fue probablemente la última gran banda reivindicativa del rock aunque System Of a Down también contribuyeron a ello un poco más tarde y quizá el primer disco de una banda que creo el mayor impacto. Con el tiempo, las giras y la dimensión que cogió la banda hizo que algunos de sus componentes no se sintieran cómodos en el formato de la banda y la cosa se fue diluyendo en discos posteriores donde aquella energía iba apagándose a excepción de la genial Bulls on parade, sin poder hacer evolucionar más su música. Su música y el rapeo y spoken word de DeLa Rocha, te ponía las pilas realmente, cualquiera de las canciones del primer disco o esa canción póstuma New Millenium Homes que aún daba sensación de esperanza.  Bandas como P.OD. siguieron sus pasos en algunos conceptos. Desde la MTC, RATM son puro fuego capaz de atraer la atención de cualquiera, de expandir su sonido y su sonido a millas de distancia. La banda perfecta si lo que quieres es salir a correr media hora de forma vertiginosa.

In March of 1992 Rage Against The Machine performed in an almost anonymous way their first album in a record store. Only a year later, they would go from acting in small venues to doing it in stadiums in front of tens of thousands of fans becoming the musical phenomenon of the world along with grunge and bands like Pantera monopolizing all the covers of specialized magazines. Never before had there been so much strength in a first band with such a good sound for a first album (produced by the true unknown producer Garth Richardson that only produced them this album, working later with notable alternative bands like Biffy Clyro, Big Wreck or Chevelle), then Rick Rubin would always do it. As Tom Morello (that great guitar player who played his guitar like a scratch) would say when explaining the RATM separation, they had extremely combustible elements that made them vulnerable to having a long musical career. RATM was probably the last big activist band of rock but System Of a Down also contributed to it a little more later and maybe the first record of a band that created the biggest impact. With time, the tours and the dimension that the band took made some of its components not feel comfortable in the format of the band and the thing was diluted in later albums where that energy was going out except for the great Bulls on parade, without being able to evolve more their music. Their music and the rapping and spoken word from De La Rocha, really put anyone´s batteries on, any of the songs of the first album or that posthumous New Millenium Homes song that still gave a sense of hope. Bands like P.OD. followed their footsteps in some concepts. From the MTC, RATM are pure fire able to attract the attention of anyone, to expand their sound miles away. The perfect band if what you want is to go running half an hour in a dizzying way. 

Cuando Dredg dio la campanada con el disco el Cielo en 2002, llevaban casi 10 años editando Eps y un disco previo en 1998 con un estilo más orientado al rap y al nu metal. Levantó al gran público en pie durante 7 años con 3 grandes discos entre los que se encuentran canciones indispensables como Ode to the sun, Ireland, Information, Saviour, Triangle, Tanbark, Sanzen Down to the cellar, Bug eyes, o Convalescent articulando influencias de Tool y A perfect circle con un sentido de la estética y del arte que envolvían las melodías continuistas de sus estructuras. Un artrock lleno de lirismo, ritmos y redobles, pianos, cellos y slide guitar que han hecho que su música se encuentre en un limbo difícilmente clasificable pero que, a los que nos encanta su música sabemos entender esas armonías y letras llenas de consciencia. Desde la MTC, Dredg despiertan la tierra que enraiza pero el también el agua  de lo onírico y de aquello subconsciente que trata de hacerse consciente. Su música es ideal para una carrera de 50-60´en pleno atardecer de verano. Este año vuelven con disco nuevo 8 años después de su última grabación.

When Dredg gave arose with the album El Cielo in 2002, they had been editing Eps for almost 10 years and a previous album in 1998 with a style more oriented to rap and nu metal. It raised the general public on foot for 7 years with 3 great albums among which are indispensable songs like Ode to the sun, Ireland, Information, Savior, Triangle, Tanbark, Sanzen Down to the cellar, Bug eyes, or Convalescent articulating influences of Tool and A perfect circle with a sense of aesthetics and art that wrapped the continuous melodies of their musical structures. An artrock full of lyricism, rhythms and beats, pianos, cellos and slide guitar that have made their music in a limbo hardly to classify but that, to those who love their music, we know how to understand those harmonies and lyrics full of conscience. From the MTC, Dredg awakens the earth that takes root but also the water of the oneiric and that subconscious that tries to become conscious. Their music is ideal for a 50-60' race in the middle of summer twilight. This year they will come back with a new record 8 years after their last recording.

Recuerdo en una entrevista a Chris Cornell decir que a mediados de los 80 cuando sacaron su primeras demos y las enviaron a una emisora de radio, días después aquellas canciones estaban sonando en múltiples estaciones de radio, siendo un fenómeno de masas y todos los festivales deseaban que fueran a tocar. En ese momento se dieron cuenta que habían perdido el control de la difusión de su música por el alcance que tenía. Pocas bandas han sido tan únicas como Soundgarden, cuya máxima influencia fueron los Black Sabbath pero también Led Zeppelin, pero sólo un poco ya que le dieron una vuelta de tuerca a todo el género rock, se echaron a la espalda el movimiento grunge del que nunca renegaron y llegaron a los confines del mundo con sus excelentes composiciones llenas de giros inesperados, cambios de ritmo inesperados, melodías de voz brutales que llegan a lo más hondo de tu alma, notas mayores y menores mezcladas con desparpajo, bajos gruesos y solos hendrixianos y una producción de vértigo con los mejores productores (Terry Date, Michael Beinhorn, Adam Kasper -uno de los mejores productores del rock-). Dave Ghrol de Nirvana y Foo fighters al escuchar su Superunknown no cabía en sí mismo de lo que 4 tipos sencillos habían construido entre 4 paredes. Quedaran canciones para el recuerdo como Spoonman, Black hole sun, Ty cobb, Dusty, Rusty cage, Feel on black days, Burden in my hand, Tighter and tighter, Limo Wreck, Bones of birds o An Unkind y otras muchas otras como esa genial composición Live to rise de la banda sonora de de Los Avengers. Cornell siempre será mi cantante favorito, era más que una voz, era una forma de cantar en el mundo. El decía que pretendía crear imágenes, cuadros con sus letras. Un día, hace dos años se nos fue para siempre...para mí un hermano que ahora descansa en otra dimensión. Decía un maestro chino que el arte es aquel que permanece para siempre y Soundgarden lo hará. Si alguna vez hubiera tocado en una banda de rock me habría gustado tocar en esta banda. Según la MTC esta banda sería madera por haber abierto camino e improvisar de manera independiente con el sonido como lo hacían disco a disco, pero también profundo metal luchando contra la nostalgia y la expresión agridulce de la vida....Hay una sensación de que se nos fue demasiado pronto, que quizá hubiese bastado con un inmenso abrazo de todos los seguidores para hacerle saber que nunca estuvo sólo...How would I know, that this could be my fate? How would I know, That this could be my fate?. Gracias Soundgarden, gracias Chris!

I remember in an interview with Chris Cornell saying that in the mid-80s when they released their first demos and sent them to a radio station, days later those songs were playing on multiple radio stations, being a mass phenomenon and all the festivals wanted they to play. At that moment, they realized that they had lost control of the diffusion of their music because of its reach. Few bands have been as unique as Soundgarden, whose main influence was Black Sabbath but also Led Zeppelin, but only a little since they gave a twist to the whole rock genre. They put behind them the grunge movement and they never rejected it and got to reach the edge of the world with their excellent compositions full of unexpected turns, unexpected changes of rhythm, brutal voice melodies that reach the depths of your soul, major and minor notes mixed with self-confidence, heavy basses, hendrix solos a production of vertigo with the best producers (Terry Date, Michael Beihorn, Adam Kasper -one of the best rock producers-). Dave Ghrol from Nirvana and Foo Fighters when listening to his Superunknown album, did not fit in himself of which 4 simple guys had constructed such a great album between 4 walls. There will be songs for the memory like Spoonman, Black hole sun, Ty cobb, Dusty, Rusty cage, Feel on black days, Burden in my hand, Tighter and tighter, Limo Wreck, Bones of birds or An Unkind and many others like that great composition Live to rise from the soundtrack of of The Avengers. Cornell will always be my favorite singer, it was more than a voice, it was a way of singing in the world. He said he wanted to create images, pictures with his lyrics. One day, two years ago, it was gone forever ... for me, a brother who now rests in another dimension. A Chinese teacher said that art is the one that remains forever and Soundgarden will do it. If I had ever played in a rock band I would have liked to play in this band. According to the MTC, this band would be wood for having opened the way and improvising independently with the sound as they did disc to disc, but also deep metal fighting against nostalgia and the bittersweet expression of life ... There is a feeling that he left too early, perhaps it would have been enough with an immense hug from all the followers to let him know that he was never alone ´... How would I know, that this could be my fate? How would I know, That this could be my fate?´ Thanks Soundgarden, thanks Chris!

En 1996 solía compartir música con un amigo de clase que oía nuevas tendencias. Yo en aquel momento vibraba con Soundgarden, el movimiento grunge, Faith no more y la escena de hardcore melódico. Pero un buen día me pasó una cinta y casi susurrándome  me dijo "tienes que escuchar esto"....aquello era nada más y nada menos que el album Gallery de una banda irrepetible. Aquel disco lo escuché al menos 50 veces en un año....hasta que Dark Tranquillity publicaran la obra maestra The Mind´s I de 1997, disco que escucharía al menos 100 veces en mi vida, es decir más de 5000 horas y casi las mismas con su album Projector de 1999. La escena musical no estaba preparada para aquella descarga sónica de emotividad, fuerza y velocidad sueca con letras basadas en el cosmos y en la parte más interna del ser humano. Dark Tranquillity grabarían entre 1995 y 2007, 7 discos excelsos llenos de creatividad y progresividad en el estilo contando a los mandos con el mago Fredrik Nordström y su ecualización perfecta. Stanne es probablemente el frontman con la energía positiva más contagiosa del planeta y un gran intérprete. Desde entonces han profundizado más en estructuras más técnicas y retorcidas. Un banda única en la que todos sus miembros componen y que hace honor a la expresión, si no hubiese existido Dios la habría inventado. Si hubiese podido tocar en una banda de metal extremo esta sería mi banda. Desde la MTC Dark Tranquiiliity emana puro fuego, motivación, arranque y dirección pero al mismo tiempo su elemento metal refleja la melancolía, la nostalgia, y la filosofía existencial. Una banda para correr una media maratón (el setlist es tan bueno que quizá pueda tener 40-50 canciones, al final lo reduje a 26) pero cuidado, tiene tanta energía su música que será conveniente que dosifiques la tuya. Una de las mejores bandas de la historia de la música!

In 1996 I used to share music with a class friend who heard new trends. At that time, I was vibrating with Soundgarden, the grunge movement, Faith no more and the melodic hardcore scene. But one day he passed me a tape and almost whispering to me he said "you have to listen to this" ... that was nothing more and nothing less than the album Gallery of an unrepeatable band. That album I listened to at least 50 times in a year ... until Dark Tranquility published the masterpiece The Mind's I of 1997, album that I would listen to at least 100 times in my life, that is, more than 5000 hours and almost the same time with their Projector album from 1999. The musical scene was not prepared for that sonic discharge of emotion, strength and Swedish speed with lyrics based on the cosmos and the innermost part of the human being. Dark Tranquility would record between 1995 and 2007, 7 excellent albums full of creativity and progressiveness in the style counting at the controls with the wizard Fredrik Nordström and his perfect equalization. Stanne is probably the frontman with the most contagious positive energy on the planet and a great interpreter. Since then, they have gone deeper into more technical and twisted structures. A unique band in which all its members compose and that honors the expression, if it had not existed God would have invented it. If I could have played in an extreme metal band this would be my band. From the MTC Dark Tranquiiliity emanates pure fire, motivation, starting and direction but at the same time its metal element reflects melancholy, nostalgia, and existential philosophy. A band to run a half marathon (the setlist is so good that maybe you can have 40-50 songs, in the end I reduced it to 26) but beware, their music has so much energy that it will be convenient for you to dose yours. One of the best bands in the history of music!

Los que comenzamos a escuchar a esta banda antes del año 2000 entramos en shock cuando llegó a nuestros oídos un disco tan brillante que no cabía en el propio cd, se trata del album My arms, your hearse de 1998. Aquella descarga sónica llena de profundidad, matices, armonías inéditas, y una de las mejores voces growls de todos los tiempos, pasó completamente desapercibida. A partir de entonces, Opeth inmortalizaron una sucesión de magníficos discos entre 1998 y 2003 con la ayuda de los técnicos Fredrik Nordström una vez más y Steven Wilson. Sin duda mi conexión con esta banda se enfoca en esta fase aunque en 2008 volvieron con otra gran pieza llamada Watershed. Del periodo 1998-2003 (5 discos), Blackwater park sería un segundo gran momento de la banda. Desde 2008 la banda prefirió adentrarse en sonidos más progresivos con reminiscencias de los 70´. Desde la MTC Opeth destilan mucho metal por esa pulcritud de la composición y estructuras concéntricas con aires de melanconlía y algo de madera por esa incensante capacidad compositiva de trazar nuevos caminos. Temas como The amen corner, The lepper affinity, April Ethereal, Demon of the fall, A fair judgment, When, The funeral portrait, Porcelain, Serenity, o Dirge for november, te acompañarán en tus subidas y bajadas de tu próxima maratón.

Those of us who started listening to this band before the 2000 went into shock when a disc so brilliant that dind´t  fit on the CD came to our ears. It is the album My arms, your hearse from 1998. That sonic discharge full of depth, nuances, unknown harmonies, and one of the best growls voices of all time, went completely unnoticed. From then on, Opeth immortalized a succession of magnificent records between 1998 and 2003 with the help of technicians Fredrik Nordström once again and Steven Wilson. No doubt, my connection with this band focuses on this phase but in 2008 they returned with another great piece called Watershed. From the period 1998-2003 (5 albums), Blackwater Park would be a second great moment of the band. Since 2008 the band preferred to go deeper into more progressive sounds with reminiscents of the 70's. From the MTC Opeth, distill a lot of metal for that neatness of the composition and concentric structures with air of melancholy and some wood for that incensing compositional ability to draw new paths. Tracks like The amen corner, The lepper affinity, April Ethereal, Demon of the fall, A fair judgment, When, The funeral portrait, Porcelain, Serenity, or Dirge for november, will accompany you on your ups and downs of your next marathon.

Cold junto a Staind y Seether fueron las tres bandas principales herederas de aquel sonido de Nirvana especialmente en los giros de voz. Cold y Staind fueron apoyadas por Fred Durst que tuvo una gran visión musical. Cold llegaron a grabar con productores del nivel del genial Adam Kasper, Ross Robinson, Howard Benson y Michael Baskette, pero el post grunge tocaba a su fin y las dicográficas les dieron la espalda. La banda busco ayuda a través de crowdfunding para grabar en 2011 (6 años después un nuevo disco) y autoproducírselo. De las bandas antes citadas Cold es quizá la banda de mayor culto entre los fans. El carisma de Scooter Ward por su voz absolutamente genial en texturas, giros, armonías haciéndola única en la historia de la música y la belleza de sus composiciones han posibilitado que esta banda seguidora de Spider man tenga fans en los 5 continentes. Actualmente ya sólo que da Ward de la formación inicial por los constantes cambios y dificultades para seguir con la carrera profesional del grupo. Para correr por la tarde es una banda súper interesante por los medios tiempos y las melodías de voz épicas. Si alguna vez quisiera cantar en una banda esta sería mi banda. Según la MTC Cold respiran a metal por su melancolía, agua por su fuerza de voluntad por no darse por vencidos y madera porque fueron pioneros de un sonido. Temazos como Ocean, Back home, Gone Away, Sick of man, Go away, Feel it in your heart, Crossroads, o Sufoccate quedarán en tu memoria después de haber corrido. La banda ha anunciado un nuevo disco en 2019 (8 años después). Estamos de suerte!

Cold along with Staind and Seether were the three main bands inheriting that sound from Nirvana especially in the turns or spin of voice. Cold and Staind were supported by Fred Durst who had a great musical vision. Cold came to record with producers of the level of the great Adam Kasper, Ross Robinson, Howard Benson and Michael Baskette, but post grunge was coming to an end and major record companis gave them back. The band sought help through crowdfunding to record in 2011 (6 years later a new album) and self-produce it. Of the bands before mentioned, Cold perhaps is the band with greater cult between fans. Scooter Ward´s charisma for his absolutely great voice in textures, twists, harmonies making it unique in the history of music and the beauty of his compositions have made it possible that this Spider-man follower band, to have fans in 5 continents. Currently, only Ward gives remains from the original line-up by the constant changes and difficulties to keep on with a professional career within the band. To run in the afternoon is a very interesting band for their half times and the epic voice melodies. If I ever wanted to sing in a band this would be my band. According to the MTC Cold breathe metal for their melancholy, water for their will power not to give up and wood because they were pioneers of a sound. Songs like Ocean, Back home, Gone Away, Sick of man, Go away, Feel it in your heart, Welcome to my real world, Crossroads, or Sufoccate will remain in your memory after running. The band has announced a new album in 2019 (8 years later). We are lucky!.

Cuando el movimiento de Death melódico hacía eclosión a mediados de los 90´ irrumpía una banda que en tres años (1996-1999) lograba colocar un Hat Trick de sonido como el que hizo Rivaldo en 2001 al Valencia (según algunos el mejor Hat Trick de la historia) con discos que parecían una precuela de aquel movimiento sueco. En sus filas los magníficos hermanos Amott heredaban las reminiscencias de una gran banda como fue Carcass y al mismo tiempo añadían notas de auténtica fiereza en sus afilados riffs, a veces setenteros, a veces death metaleros, a veces thrasers, a veces acústicos, en temas como Cosmic Retribution, Silverwing, Angelclaw, Eureka, Sinister Mephisto, Dead Inside, Beast Of Man, Black Earth, Bury Me Engel, Stigmata, The Immortal o Diva Satanica...No se había escuchado a un guitarrista que soleara tan bien con wah-wah, caballitos, o dobles armonías desde Jimmy Hendrix. De hecho en aquella época Michael Amott publicaría el magnífico Ad Astra de su otra banda Spiritual Beggars con la misma virtuosidad. Especial mención merece el batería Erlandsson por su talento para marcar también el tiempo de las canciones y sus cambios de batería y Johan Liiva, su intensidad, y su amplio registro vocal cercano a Max Cavalera que hacen fluir a la música. Finalmente la ecualización de esos tres álbumes a cargo de Fredrik Nordström es apoteósica logrando destacar un sonido súper orgánico que cuando lo escuchas parece que lo puedes tocar además de escuchar así como una profundidad de texturas inigualable. Esta formación ha vuelto recientemente como Black Earth...Ojalá nos brinden pronto algún disco de estudio. Desde una visión de MTC diría que es una banda muy madera por ser precursores de una forma de entender la música y corazón por la energía que destilan en todas sus composiciones. Fantástica banda para salir a correr!.

When the musical movement of Swedish Melodic Death Metal burst into the mid 90's, a band called Arch Enemet emerged in three years (1996-1999) getting a Hat Trick sound like the one made by Rivaldo in 2001 to Valencia (according to some the best Hat Trick of the History) with records that looked like a prequel to that Swedish movement. In their line-up the magnificent brothers Amott inherited the reminiscences of a great band that was Carcass and at the same time added notes of authentic fierceness in their sharp riffs, sometimes seventies, sometimes death, sometimes thrash, sometimes acoustic, in tracks like Cosmic Retribution, Silverwing, Angelclaw, Eureka, Sinister Mephisto, Dead Inside, Beast Of Man, Black Earth, Bury Me Engel, Stigmata, The Immortal or Diva Satanica ... We had not listened to a guitarist who sounded so well with wah-wah, horses, or double harmonies since Jimmy Hendrix. In fact, at that time Michael Amott published the magnificent Ad Astra of his other band Spiritual Beggars with the same virtuosity. Special mention deserves the Erlandsson drummer for his talent to also mark the time of the songs and his drums fills and Johan Liiva by its intensity, and wide vocal register close to Max Cavalera that make their music flow. Finally, the equalization of those three albums by Fredrik Nordström is amazing, achieving a super organic sound that when you listen to it seems that you can touch it in addition to listening as well as an incomparable depth of textures. This line-up has recently returned as Black Earth ... Hopefully they will soon offer a studio album. From a vision of MTC I would say that it is a very wooden band being forefathers of a way of understanding music and heart by the show in all their compositions. Fantastic band to go running!

La primera vez que escuché a Brutus, fue una sensación realmente familiar de sonidos que quedaron en la memoria pero que estos belgas han ejecutado integrándolos en su música. Su cantante y batería marca los tiempos y las armonías de las voces con reminiscencias en ocasiones a Dolores O´Riordan de The Cranberries o de las hermanas Söderberg de Kirst Aid Kit pero desde un posicionamiento más punk, hardcore y emo llevando a la banda al límite de la intensidad con up tempos y redobles (incluso con algún blast beat) imprevisibles como en Fire, Crack Waste, Baby Seal, Django o redoblando hasta el infinito en temas como Horde V.  Desde la MTC Brutus resuena a agua con metal y madera tendente a una energía yin, de cierto miedo, dolor y tristeza con notas yang por dosis de furia abigarrada y sabiduría con giros magistrales así como una fuerza de voluntad enconmiable para levantarse. Al mismo, la cantante, se encuentra genialmente acompañada por el guitarrista que saca de su pedalera melodías muy cercanas en ocasiones a Dredg pero con un entusiasmo tan colorido que abarca una paleta de registros ilimitada procedente del rock progresivo y por un gran bajista que guía el camino de la banda con líneas que juegan oscilando las bases y melodía general así como utilizando genialmente los silencios (hacía tiempo que nadie lo hacía) que crean contrastes emocionales en temas como March, Fire, Horde II o War. Una gran banda llena de talento y singularidad que da vida y aire fresco al vetusto presente del rock alternativo desde prismas cercanos al math rock. Si te apetece salir a correr por el parque unos 45´ sin duda Brutus te aportarán esa intensidad épica y solidez por su genuino sonido a tu carrera vespertina.

The first time I heard Brutus, it was a really familiar feeling of sounds that remained in the memory but that, these Belgians have played including them so well into their music. Their singer and drummer shows the tempos and harmonies of the voices sometimes with some reminiscences of Dolores O'Riordan from The Cranberries or the Söderberg sisters from Kirst Aid Kit but from a more punk, hardcore and emo approach taking the band to the limit of the intensity with unpredictable up tempos and drum rolls (even with some blast beats) like in Fire, Crack Waste, Baby Seal, Django or redoubling to infinity in songs like Horde V. From the MTC Brutus echoes water with metal and wood tending to a yin energy, a kind of fear, pain and sadness with yang notes by dose of clashing fury and wisdom with masterful turns as well as a praiseworthy force of will power to let you get up. At the same time, the singer is brilliantly followed by the guitarist who takes from his pedal board very close tunes sometimes to Dredg but with such a colorful enthusiasm that covers an unlimited palette of records from progressive rock and a great bassist who guides the way of the band with lines that play oscillating the bases and general melody as well as using brilliantly the silences (for a long time nobody did it) that create emotional contrasts in songs like March, Fire, Horde II or War. A great band full of talent and uniqueness that gives life and fresh air to the ancient present of alternative rock from prisms close to math rock. If you want to go for a run in the park about 45', Brutus will undoubtedly bring that epic intensity and solidity to your afternoon race by their genuine sound.

Tal vez esta banda sea recordada siempre por versionear magistralmente a Metallica, pero los méritos que han hecho a lo largo de su carrera son notables a mi juicio en el periodo 2003-2010 con las colaboraciones de Dave Lombardo y Joseph Duplantier, y con la inclusión de ese gran batería llamado Mikko Sirén y sus excelsos fills de batería. Pocas bandas podrían defender un setlist tan grandioso instrumentalmente hablando en un teatro donde las referencias circenses y los interludios de banda sonora se suceden de manera constante. Todo un espectáculo!. El playlist está concebido para una carrera de 30´, en las que buscas intensidad y empuje. Desde la MTC diría que esta banda es puro y profundo metal, con estructuras musicales cuasi ascéticas, en canciones como Last hope, Resurrection, Burn, Bring them light, No education, Prologue, Rage of Poseidon, Quutamo, Flesheye, Somewhere around nothing o Betrayal/forgiveness....y todo con cello!

Maybe this band will be always remembered for its masterfully cover versios of Metallica, but the merits they have made throughout their career are remarkable in my opinion in the 2003-2010 period with the collaborations of Dave Lombardo and Joseph Duplantier, and with the inclusion of that great drummer called Mikko Sirén and his exalted drum fills. Few bands could defend such a great setlist instrumentally speaking in a theater where circus references and soundtrack interludes follow each other constantly. Such a great show!. The playlist is designed for a 30 ' race, in which you are looking for intensity and propulsion. From the MTC I would say that this band is pure and deep metal, with quasi-ascetic musical structures, in songs like Last hope, Resurrection, Burn, Bring them light, No education, Prologue, Rage of Poseidon, Quutamo, Flesheye, Somewhere around nothing or Betrayal / forgiveness .... and everything with cello!

Esta banda se asomó al mundo colocando sus dos primeros álbumes en la historia del rock, para mí su album Vs. debería escucharse en todas las escuelas de música del mundo en todas sus facetas. Eddie Vedder y su voz barítona y arteciopelada (anhelada por cualquier banda) junto a sus compañeros de tripulación han creado auténticos himnos generacionales y un sonido rock de la mano de su productor fetiche Brendan O´brien lleno de brillo y pulido con sonido de caja con su armónico característico. El Playlist que elegiría yo nadaría en aguas turbulentas, en sonidos de Big wave, Grievance, God´s dice, Comatose, Getaway, Go, Animal, Brain of J., State of love and trust, I am mine, Get right, Whipping, Smile, Last Exit, Daughter, Insignificance, The Fixer, Unemployable....ritmos cadenciados que te ayudarán en tu media maratón. Pearl Jam nacieron de la madurez, con discos que sonaban a clásicos ya en su día, y que poco a poco fueron haciendo guiños a Neil Young o a Bruce Springsteen. Nunca tuvieron reparos en abrir su espectro de sonido, aunque quizá esa tendencia haría que sonaran cada vez con más dispersión. Esta banda defiende en directo sus temas de una manera magistral ganando con los años, no así el punch de sus últimas grabaciones que para mi gusto ha perdido feeling o cierta dirección. La llama se va apagando con apenas 3 discos editados e los últimos 16 años y con cierto aroma a intermitencia. Una banda ecléctica con los 5 elementos presentes según la MTC ya que explora los recovecos del ser en diferentes estilos de composición. Se les espera como agua en el desierto con un disco nuevo bajo el brazo. Sus últimos grandes temas datan de 2013 (Getaway y Sirens) Volverán a sorprendernos?. Os esperamos Eddie and company!

This band came to the world placing their first two albums in the history of rock, for me their Vs album should be heard in all the music schools of the world in all its facets. Eddie Vedder and his baritone and art-inspired voice (wished by any band) along with his crewmates have created an authentic generational hymns and a rock sound alongside his fetish producer Brendan O'brien full of brilliance and polished with a box sound with its characteristic harmonic. The Playlist that I would choose would swim in turbulent waters, in sounds of Big wave, Grievance, God's says, Comatose, Getaway, Go, Animal, Brain of J., State of love and trust, I am mine, Get right, Whipping , Smile, Last Exit, Daughter, Insignificance, The Fixer, Unemployable .... rhythms cadence that will help you in your half marathon. Pearl Jam were born from maturity, with records that sounded like classics in their day, and that little by little winking at Neil Young or Bruce Springsteen. They never hesitated to open their sound spectrum, although perhaps that tendency would make them sound more and more dispersed. This band perform their songs in live concert in a masterful way, winning over the years, but not the punch of their last recordings that in my opinion has lost feeling or a certain direction. The flame goes off with just 3 albums released in the last 16 years and with a certain aroma of intermittence. An eclectic band with the 5 elements present according to the MTC while explores the recesses of being in different styles of composition. We wait for you like water in the desert with a new album under your arm. Their last big songs are already dated from 2013 (Getaway and Sirens). Will they surprise us again? We wait for you Eddie and company!

En 1996 At The Gates pusieron punto y parte a su andadura tras conmocionar al público con una obra maestra llamada Slaughter of the soul, que dibujaba acordes magníficos sin precedente alguno basados en armonías nunca antes escuchadas. Partían de influencias como Slayer pero a la velocidad ellos sumaron melodías que conectaban con lo más hondo de su audiencia dando a conocer el sonido Göteborg al mundo. Quizá ellos no imaginaron el impacto que supuso hasta 11 años después cuando se fraguó la reunión de la banda y 18 años después hasta la edición de un nuevo álbum. Pura agua según la MTC (su disco de 1995 fluía de principio a fin  música que habla del miedo pero que también se transforma en sabiduría, genialidad, creatividad y en seguridad). Hoy siguen adelante sin uno de los hermanos fundadores y algo alejados del sonido que registraron con el mago Fredrik Nordström en los estudios Fredman pero con la misma garra y fieles a su estilo. Si quieres intensidad, fortaleza y carburante sin límite para tu carrera diaria mientras repasas algún que otro recuerdo por tu mente, comienza por Blinded by fear y termina tu playlist por In death the Shall burn. Lo del medio es cosa tuya!.

In 1995 At The Gates set a milestone in their music trip after shocking the audience with a masterpiece called Slaughter of the soul, which drew magnificent chords without precedent based on harmonies never heard before. They started from influences like Slayer but at speed they added melodies that connected with the depths of their audience, making the Göteborg sound known to the world. Maybe they did not imagine the impact that it took until 11 years later when the band's reunion was forged and 18 years later until the release of a new album. Pure water according to the MTC (his 1995 album flowed from the beginning to the end. Their music speaks about fear but also transforms itself into wisdom, genius, creativity and security). Today they go ahead without one of the founding brothers and something far away from the sound they recorded with the wizard Fredrik Nordström in the Fredman studios but with the same claw and true to their style. If you want intensity, strength and fuel without limit for your daily career while you review some other memory for your mind, start with Blinded by fear and finish your playlist by In death they shall burn. The middle one is your business!

Pantera abrió en su época una brecha que supuso el germen para que posteriormente despuntaran innumerables bandas de un montón de estilos. Si Metallica hacia vibrar a las masas, Pantera las hacía enloquecer de furor. Puro fuego según la MTC, Pantera mezclaban los riffs de guitarra absolutamente geniales de Dimebag, con los ritmos tribales y bailables de Vinnie, la excelencia de la voz de Anselmo y su registro sureño llevado a la quinta esencia de una interpretación vocal, mientras Rex daba solidez e integraba todos los elementos con su bajo. Pantera es posiblemente la mejor banda del metal y la que más impacto ha tenido en la historia de este género. Los desarrollos de sus composiciones en temazos como I´m broken, I can´t hide, Floods, 5 minutes alone, 13 stops to nowhere, Mouth of war, Cemetery Gates, Hellbound, War Nerve, Strength beyond strength, Fucking hostile, Suicide Note Part II o Shedding skin y muchos más harán que no quieras que termine tu sesión de running y a pesar del cansancio, querrás dar otra vuelta al recorrido con su groove. Para siempre quedará su solo en Floods, como uno de los mejores que se han compuesto y ejecutado y ese fade out bajo la lluvia. Su historia terminó trágicamente con la pérdida de dos componentes mientras se especulaba con una posible reunión. Pantera quedará para siempre en el Olimpo como una de las mejores sino la mejor banda de metal jamás surgida. Especial mención al grandísimo productor Terry Date que les acompañó hasta 1996 marcando un antes y un después en el sonido de este género.

In its time, Pantera opened a gap that was the seed so that innumerable bands from a lot of music styles would later appear. If Metallica made the masses vibrate, Pantera made them go mad with fury. Pure fire according to the MTC, Pantera mixed Dimebag's absolutely great guitar riffs, with Vinnie´s tribal and danceable rhythms, Anselmo's superb voice with his southern register brought to the fifth essence of a vocal performance, while Rex gave solidity and integrated all the elements with its bass. Pantera is possibly the best metal band and the one that has had the most impact in the history of this genre. The developments of their compositions in songs like I'm broken, I can't hide, Floods, 5 minutes alone, 13 stops to nowhere, Mouth of war, Cemetery Gates, Hellbound, War Nerve, Strength beyond strength, Fucking hostile, Suicide Note Part II or Shedding skin and many more will make you not want to end your running session and despite the fatigue, you will want to take another tour with their groove. Their Floods solo will remain forever, as one of the best that have been composed and executed alongisde with that fade out in the rain. Their story tragically ended up with the loss of two components while speculating on a possible reunion. Pantera will remain forever in Olympus as one of the best but perhaps the best metal band ever. Special mention to the great producer Terry Date who helped them with the sound until 1996 marking a before and after in the sound of this genre.

Hace tiempo que el rock alternativo y más concretamente el post grunge pasó a mejor vida por desgracia dejando huérfano un estilo que la escuela de Seattle comenzó y del que a penas se mantienen en pie un puñado de bandas entre las que destacan Foo Fighters, Seether, Alter Bridge, Cold o Stone Sour. Pero afortunadamente pudimos disfrutar aunque fuera de forma efímera de tres bandas que dejaron su sello y su calidad, siendo Sinch un medio camino entre las otras dos. Tan sólo 10 years perdura aún. Quedan en la retina el primer lanzamiento de Onesidezero ( Is this room getting smaller en 2001), considerado uno de los discos más infravalorados del rock en el cual observamos influencias de Tool o A perfect circle pero con desarrollos propios absolutamente geniales. Sinch marcó dos discos antológicos (Sinch en 2002 y Clearing the channel en 2005). El primero con influencias del grunge pero también de Sepultura o Faith No more y el segundo disco más alineado con A perfect Circle pero con más poso percusivo. Finalmente 10 years con su Autumn Effect (2005) registraron un delicado, cuidado en sonido y de alto nivel compositivo, que seguía la estela de bandas como Dredg o a Perfect Circle. Las 3 bandas rezuman elemento metal por esa melancolía contenida y contractiva  y medios tiempos característicos pero también elemento madera porque fueron precursores de sonidos y melodías magistrales que después otras bandas tomarían como influencia. Música que llega al corazón si lo tuyo es salir a correr un fin de semana después del rocío o a media tarde, muy recomendado para tiradas de al menos una hora. Las tres bandas cuentan con cantantes sensacionales creadores de melodías que inundan el universo emocional. Como las estrellas fugaces, brillaron con tal intensidad que iluminaron a su paso el camino de los que venían por detrás y que al mismo tiempo se difuminaron en el universo.

Some time ago that alternative rock and more specifically the post grunge passed to a better life unfortunately leaving orphaned an style that the  Seattle school began and barely remain standing a handful of bands among which Foo Fighters, Seether, Alter Bridge, Cold or Stone Sour. But fortunately we were able to enjoy, even if only in an ephemeral way, three bands that left their stamp and their quality, Sinch being halfway between the other two. Only 10 years remains. Remains in the memory the first release of Onesidezo (Is this room getting smaller in 2001), considered one of the most underrated ever albums of rock in which we observed influences from Tool or A perfect circle but with their own absolutely great developments. Sinch registered two anthological albums (Sinch in 2002 and Clearing the channel in 2005). The first with grunge influences but also from Sepultura or Faith No more and the second album more aligned with A perfect Circle but more percussive. Finally 10 years with its Autumn Effect (2005) recorded a delicate, careful sound and high level composition, which followed the trail of bands like Dredg or Perfect Circle. The 3 bands exude metal element by that metal element that shows itself contained and contractive melancholy and half  characteristic times but also wood element because they were precursors of sounds and masterful melodies that later other bands would take as influence. Music that reaches the heart if your thing is to go out for a run during the weekend after the dew or mid afternoon, highly recommended for runs of at least one hour. The three bands have sensational singers that create melodies that flood the emotional universe. Like the shooting stars, they shone with such intensity that they illuminated the path of those who came from behind and at the same time faded into the universe.

Gardenian firmaron uno de los mejores primeros discos jamás publicados en 1997 coincidiendo con el Whoracle de In Flames, el Mind´s I de Dark Tranquillity y conseguía alinearse con esas dos bandas y Arch Enemy en la primera fila del Swedish melodic death metal. Si su primera Two Feet Stand contenía temas de un nivel superlativo con up-tempos que te quitarán la respiración, su segundo disco en 1999 nuevamente producido por el maestro Nordström (para mí uno de los 5 mejores productores europeos de todos los tiempos) fue apoteósico dejando el listón muy alto. Gardenian incluirían en este album voces limpias que a la postre funcionarían a la perfección dentro de la temática sonora del álbum con guiños a Pantera pero sin dejar la melodía de la escuela sueca. Temas como Two Feet Stand, Flipside of Reality, Netherworld o Mindless Domination de su primer disco te harán brincar de gozo en cada zancada, o As a true king, Powetool, Deserted o la fantástica If Tomorrow´s gone darán matices cuasi épicos a tu velocidad de crucero. Su música rezuma fuego y madera a raudales. Su última obra en el año 2000 Sindustries tiene desarrollos muy interesantes pero quizá la mezcla final no fue la soñada por ellos. Canciones largas y densas como Doom & Gloom, Long Snap To Zero o Self Proclaimed Messiah te ayudarán a mantener el ritmo sin fatigarte. Anunciaron en 2012 una reunión que por el momento no ha tenido suficiente continuidad. Sería increíble un nuevo album de esta formidable banda.

Gardenian signedone of the best first albums ever released in 1997 alogside  with the Whoracle of In Flames, the Mind's I of Dark Tranquility and managed to line up with those two bands and Arch Enemy in the front line of Swedish melodic death metal. If their first Two Feet Stand contained a superlative level with up-tempos that will take your breath away, their second album again produced by Nordström master (for me one of the 5 best European producers of all time) in 1999 was again another great album leaving the level very high. Gardenian would include in this album clean voices that in the end would work perfectly within the sound of the album with winks to Pantera but without leaving the melody of the Swedish school. Tracks like Two Feet Stand, Flipside of Reality, Netherworld or Mindless Domination of their first album will make you jump with joy in each stride, or As a true king, Powetool, Deserted or the fantastic If Tomorrow's gone will give almost epic nuances to your Cruising speed. His music oozes fire and wood in abundance. His last work in 2000 called Sindustries has very interesting musical developments but perhaps the final mix was not dreamed by them. Long and dense songs like Doom & Gloom, Long Snap To Zero or Self Proclaimed Messiah will help you keep up with the pace without fatigue. They announced in 2012 a meeting that for the moment has not had enough continuity. It would be amazing a new album of this formidable band.

Cuando Staind surgió en el panorama musical de forma relevante se habían cumplido 10 años del Nevermind de Nirvana. Iconos junto a Deftones, es entonces cuando aquel influjo comienza a hacerse patente en bandas como Staind, Cold, Seether, Puddle of mud o Foo fighters. Staind incorporaron algunas melodías de las Cobain además de su rabia y voz cascada mezclándolo con el nuevo metal de aquella época y algunas reminiscencias de grupos como Metallica y estructuras de Paradise Lost. A nivel compositivo su música goza de una excelencia en estructuras y puentes así como de preguntas respuestas en las armonías en algunas canciones que hacen que sus melodías de guitarra y voz te atrapen en sus medios tiempos. Junto a Cold para mí es la banda que mejor ha rescatado aquel sentimiento grunge con sonidos más gruesos y menos rockeros con permiso del primer disco de Seether. Staind es una banda que te cautiva desde el principio con esa emotividad que explota en el estribillo, especialmente recomendable para salir a correr por la tarde-noche, por su carácter tierra/metal según la MTC, desarrollando su sonido en terrenos de duda y arraigo al mismo tiempo, y también de tristeza, estoicismo, y pura honestidad. Para mí es una de las mejores bandas que construye melodías de estribillos. En 2011 fruto de la dureza de las giras y que está afectando a casi todos los grupos pararon de editar discos dejando quizá su mejor disco hasta la fecha. Temas como Break away moverán tus piernas sin descanso, Cross to bear te ayudarán a encontrar el foco, For you te motivarán para llegar a la siguiente curva, It´s been a while te facilitarán ese espacio de intimidad durante la carrera, Not again te darán garra y fortaleza, Now hará que quieras comerte el mundo a cada zancada, Open your eyes, Paper wings o Please te ayudarán a superar los dolores de tus piernas, So far away o Save me te ayudarán a asimilar tus propios límites, el riff de Run away te darán gasolina para ir más lejos o The way I am o Throw it away te aportarán confianza en tus posibilidades y Tonight o Wannabe te ayudarán a coger ritmo en los tramos finales. Creadores de la ola musical denominada Post-grunge y que actualmente apenas quedan restos de aquel movimiento, Staind te hará sentir como si realmente estuvieras en una banda de rock, con sus ritmos y melodías pegadizas y sus riffs gruesos y afilados. Una banda inmensa que ojalá algún día regrese. Se os echa en falta!

When Staind emerged in the music scene in a relevant way 10 years ago from Nirvana´s  Nevermind. Icons alongside with Deftones, it is then, when that influence begins to become evident in bands like Staind, Cold, Seether, Puddle of mud or Foo fighters. Staind incorporated some Cobain's melodies as well as his rage and broken voice mixing it with the new metal of that time and some reminiscences of groups like Metallica and Paradise Lost structures. At a compositional level, his music enjoys excellence in structures and bridges as well as questions/answers in the harmonies in some songs that make his guitar and voice melodies catch you in their half times. Alongside with Cold, for me is the band that rescued that grunge feeling with thicker sounds and less rock in a great way with permission from Seether's first album. Staind is a band that captivates you from the beginning with that emotion that explodes in the chorus, especially recommended to go for a run in the evening, for its earth / metal character according to the MTC, developing its sound in areas of doubt and roots at the same time, and also of sadness, stoicism, and pure honesty. For me it is one of the best bands that build melodies in choruses. In 2011 fruit of the hardness of the tours and that it has nowadays a big impact in almost all the bands stopped  them from releasing new albums and music leaving perhaps their best album to date./ Staind ´Staind`. Songs like Break away will move your legs without rest, Cross to bear will help you find the focus, For you will be motivated to get to the next curve, It's been a while will give you that space of intimacy during the race, Not again will give you claw and strength, Now will make you want to eat the world with each stride, Open your eyes, Paper wings or Please will help you overcome the pains of your legs, So far away or Save will help you to assimilate and accept your own limits, the riff of Run away will give you gas to go further or The way I am or Throw it away will give you confidence in your possibilities and Tonight or Wannabe will help you catch pace in the final stages. Creators of the musical wave called Post-grunge and that currently, there are only remnants of that movement, Staind will make you feel as if you were really in a rock band, with its catchy rhythms and melodies and its thick and sharp guitar riffs. An awesome and inmense band that I hope one day come back. Miss you!

15 discos contemplan ya a esta magnífica y única banda de Halifax (Reino Unido) que curiosamente es más célebre fuera que dentro de su país de origen. Sus canciones te acompañarán a la perfección si eres de los que agradece madrugar y salir a correr por cuestas, ya que sus épicas melodías de canciones como All you leave behind, Ash & debris, o Don´t belong, The enemy o la clásica Embers fire te impulsarán hacia delante Forjados en festivales y giras  constantes, Paradise Lost es una de las 10 bandas más relevantes del metal europeo. Podríamos estar hablando una eternidad de tantos y tantos grandes temas como Enchantment, Forever failure,  Once solemn, Fraility, Mouth, Hallowed land o Laws of Cause. Mackintosh retuece los solos formando elegías con sus propias melodía incorporando vibrato y  wah-wah hasta elevarte a la profunda esencia de tu ser en temazos como Mistify, No hope in sight, One Second, The enemy, Until the grave, In this Dwell o Prelude to Descend. Paradise Lost fue una de las primeras bandas del rock en utilizar el sonido de un piano puro, en canciones como Another Day, Dissapear o Enchantment. Holmes aporta unas letras genialmente escritas e integradas en la melodía. Es una banda perfecta para salir a correr cuando los temas cogen ritmo y te levantan el ánimo descoraginado de la dureza del asfalto. Paradise Lost han sido de las pocas bandas valientes que han sabido imbricar y fusionar rock, el doom y death de una forma sublime. Para mí el periodo 2005-2012 marca un equilibrio perfecto en cuanto a sonido se refiere. Antes 1993-1997 también fue de gran relevancia con ese icónico Draconian Times, capaz de vender según dicen más de un millón de copias. Una banda de elemento metal/madera desde un prisma de la medicina tradicional china, ya que transmite la melancolía y tristeza en su justa medida pero también la dignidad, honestidad y clara determinación hacia lo que persiguen y pioneros en un estilo que después vivió múltiples transformaciones. Algunos temas dejarán grabado en tu memoria sublimes bases rítmicas como Worth fighting for o To The Darkness. Las melodías de Holmes te transmitirán valor y superación, la base rítmica, las armonías y la composición te ayudarán a entrar en un bucle de concentración. Sin duda Paradise Lost es una inmensa, genuina y absolutamente talentosa banda de rock. 

15 albums already contemplate this magnificent and unique band from Halifax (United Kingdom) which curiously is more famous outside than inside their country of origin. Their songs will go alongside you to perfectly if you are one of those who appreciates getting up early and going for a run on slopes, through their epic melodies of songs like All you leave behind, Ash & debris, or Don't belong, The enemy or the classic Embers fire that will push you forward. Forged in festivals and constant tours, Paradise Lost is one of the 10 most relevant bands of European metal. We could be talking for an eternity of so many great songs like Enchantment, Forever failure, Once solemn, Fraility, Mouth, Hallowed land or Laws of Cause. Mackintosh twists the solos forming elegies with their own melody incorporating vibrato and wah-wah to elevate you to the deep essence of your being in songs like Mistify, No hope no sight, One Second, The enemy, Until the grave, In this Dwell or Prelude to Descend. Paradise Lost  is was one of the first rock bands to use the sound of a pure piano, in songs like Another Day, Dissapear or Enchantment. Holmes brings some brilliantly written lyrics and integrates them into the melody. It's a perfect band to go for a run when the songs catch pace and lift your discouraged spirit from the hardness of the pavement. Paradise Lost have been among the few brave bands that have managed to imbricate and fuse rock, doom, and death in a sublime way. For me, the 2005-2012 period marks a perfect balance in terms of sound. Before 1992-1997 it was also of great relevance with that iconic Draconian Times, able to sell according to media, say more than one million copies. A band of metal / wood element from a  traditional Chinese medicine approach, as it transmits melancholy and sadness in its proper measure but also dignity, honesty and clear determination towards what they pursue and pioneers in a style that later underwent multiple transformations . Some tracks will record sublime rhythmic bases such as Worth fighting for or To The Darkness. The melodies of Holmes will transmit you value and overcoming, the rhythmic base, the harmonies and the composition will help you to enter in a concentration loop. Without any doubt, Paradise Lost is an immense, genuine and absolutely talented rock band.

Correr el último día del año es una sensación tan grata que es como si lo hicieras regalándole ese privilegio a tus seres queridos, a la madre tierra, a la naturaleza, al universo...hay algo mágico en ello, es como acto de perdón, de entrega de amor. Mi tercera San Silvestre rindió tributo a Linkin Park, para mí, esencia de agua, algo de metal y tierra, esa última gran banda del rock superventas, amada por muchos y denostada por otros tantos, que el año pasado sufrió el revés de la pérdida de su cantante a quien tanto influyó la también incalculable pérdida de Chris Cornell,  Para mi playlist seleccioné  23 temas, muchos de ellos épicos himnos generacionales que jamás se habían escrito. Linkin Park cumple la máxima de "de no haber existido alguien tenía que haberlos creado". Correr con esos 23 temas con los que firmo la paz con ellos por sus grandes melodías y armonías es algo irrepetible. Comenzar a correr con Bleed it out es una especie de Rocky perfecto para esos primeros metros. Otros temas más atmosféricos como Iridiscent, In Pieces, Burn it down, Castle of glass, Drawbar (con ese piano brutal a lo NIN) Cure for the Itch con sus samplers y teclado apocalíptico te acompañan gentilmente para esos kilómetros intermedios en los que no sabes realmente cuánto queda. Otros temas como Crawling, Final masquerade, la magnífica Rebellion, Valentine´s day, o What I´have done o Numb pondrán la garra en cada cuesta del trazado y otros te ayudarán a reconciliarte con el sufrimiento como Heavy, Halfway right, In pieces o In between. Chester Bennington es un cantante que inventó nuevas melodías gracias a su alma, a su esencia, nació cantante. A pesar de que sus melodías nacen de una vida de grandes desilusiones y depresiones, en los resortes de cada una de ellas expresa una base de amor y fraternidad difícilmente imitable. Grabaron con su primer disco con un desconocido Don Gilmore (gran producción) y siguieron con Rick Rubin (el rey midas del rock de los 90-00´). En los últimos discos decidieron autoproducirse. Si eres de los que la música de Linkin Park tocó tu corazón en algún momento, correr con su sintonía es una bonita forma de experimentar el propio ser y la compasión. El tiempo dirá si esta interesante banda seguirá reescribiendo su historia. 

Running the last day of the year is such a pleasant feeling that it is as if you were giving that privilege to your loved ones, to mother earth, to nature, to universe... there is something magical about it, it is like an act of forgiveness, of surrender of love. My third San Silvestre paid tribute to Linkin Park, for me essence of water, a piece of metal and earth, that last big best-selling rock band, loved by many and reviled by many others, that last year suffered the reverse of the loss of its singer who was so influenced by the incalculable loss of Chris Cornell. For my playlist I selected 23 tracks, many of them epic generational hymns that had never been written before. Linkin Park fulfills the maxim ´In case not having existed someone had to have created them´ Running with those 23 songs with which I sign the peace with them for their great melodies and harmonies is something unrepeatable. To Start running with Bleed it out is a kind of Rocky perfect for those first meters, other more atmospheric songs like In Pieces, Burn it down, Castle of glass, Drawbar (with that brutal piano as NIN performed) Cure for the Itch with its samplers and apocalyptic keyboard go alongside with you gently for those half kilometers in which you do not really know how much is left. Other songs like Crawling, Final masquerade, the magnificent Rebellion, Valentine's day, What I'have done or Numb will put the claw on each slope of the path and others will help you to reconcile with suffering as Heavy, Halfway right, In pieces or In between. Chester Bennington is a singer who invented new melodies thanks to his soul, to his essence, he was born a singer. Despite the fact that his melodies are borned of living a life of great disappointments and depressions, in the springs of each of them expresses a base of love and fraternity that is difficult to imitate. They recorded their first album with an unknown Don Gilmore (great production) and followed with Rick Rubin (the midas king of rock in 90-00). In the last albums they decided to self-produce. If you are one of those who Linkin Park music touched your heart at some point, running with their tune is a nice way to experience your own being and compassion. Time will tell if this interesting band will continue to rewrite its history.

Recuerdo cuando escuché esta banda por primera vez, sentir un cosquilleo leve, quizá más desde un punto de vista mental, por sus cabalgatas y fills de baterías así como de los riffs afilados de guitarra. Me sedujo su propuesta pero decidí dejarlos en barbecho hasta 2011 con su para mí mejor album producido The Hunter y nuevamente hasta 2018 Emperor of sand, quizá porque su sonido y propuesta de estilo se repetía demasiado. Parece que la gira con Tool cuando presentaron su disco Crack the Skye supuso un antes y un después a a nivel compositivo. Salir hoya correr con Mastodon ha sido algo grandioso. Es un grupo que te va a permitir permanecer todo el tiempo estar centrado gracias a su groove (uno de los pocos grupos que lo han conseguido instalar) y sus fills de batería absolutamente sensacionales redoblando y subiendo a timbales constantemente. La alternancia de voces (hasta 3) hará que los matices del recorrido en tu running adquieran una dimensión mayor por contraste. Particularmente me gusta mucho el registro de Brann Dailor en temas Show Yourself o Word To the wise, Dry Bone Valley... aunque sus dos compañeros también se lucen en temas como Clandestinity, The Hunger, Divinitations, Iron Tusk, Capillarian Crest o la labor compartida en Octopus has no friends o Feast your eyes. Si tienes la suerte de estar corriendo mientras el sol te da de cara y correr de forma longitudinal a lo largo de un río o ría como en mi caso, la sensación es mágica. Dicen que la música es un lenguaje de 4 dimensión, ya lo creo. Mastodon desde el Wu Xing yo diría que es un grupo muy madera pero también metal. Madera por ser pioneros en su estilo, pero también muy perfeccionistas en sus composiciones y por esa tendencia a alejarse del metal, como a aislarse de él. De hecho, el disco The Hunter tiene elementos madera de la MTC yen los primeros discos hacen referencia a elementos como el la tierra, el fuego y el agua. Dicen, que es el grupo encasillado en el metal que más gusta a los fans acerrimos de este estilo. Con Mastodon te sientes como suspendido y teletrasportado en una nube secuencial de emoción que no explota pero que tampoco colapsa. Mientras agudizas los sentidos entre tanto acorde que bebe del stoner, sludge metal, el math y prog rock, el post rock, brutal death (en sus inicios), ramalazos grunge, algún que otro guiño al black noruego te encuentras esa joya escondida llamada Toe to Toes que sale de las entrañas de unos músicos geniales que han vivido la pérdida de seres queridos a lo largo de su vida. La experiencia es un grado pero también una forma de estar en el mundo. Seguramente lo mejor de Mastodon esté por llegar, gracias a esa captura de armonías que progresivamente va abriendo su sonido y sus melodías. Sigamos corriendo!. Post data: No te pierdas el solo de guitarra de Ancient Kingdom.

I remember when I heard this band for the first time, feeling a slight tickle, maybe more from a mental point of view, for its horse rides and battery fills as well as the sharp guitar riffs. I was seduced by his proposal but decided to leave them fallow until 2011 with their, for me best album produced, The Hunter and again until 2018 Emperor of sand, maybe because their sound and style proposal was repeated too much. It seems that the tour with Tool when they presented their album Crack the Skye was a before and after at the composition level. Going out and running with Mastodon has been great. It is a group that will allow you to stay focused all the time thanks to its groove (one of the few groups that have managed to install it) and its absolutely sensational battery fills by constantly beating and rising to timbales. The alternation of voices (up to 3) will make the nuances of the course in your running acquire a greater dimension by contrast. Particularly I really like the record of Brann Dailor in songs like Show Yourself or Word To the wise, Dry Bone Valley ... although his two bandmates also shine in tracks like Clandestinity, The Hunger, Divinitations, Iron Tusk, Capillarian Crest or the work shared in Octopus has no friends or Feast your eyes. If you are lucky enough to be running while the sun hits your face and running longitudinally along a river as in my case, the feeling is magic. They say that music is a 4-dimensional language, I think so. Mastodon from the Wu Xing I would say that it is a very wood but also metal group. Wood for being pioneers in their style, but also very perfectionist in their compositions and for that tendency to get away from metal, as to isolate themselves from it. In fact, the disc The Hunter has wooden elements of the MTC and in the first albums they make reference to elements like the earth, the fire and the water. They say that it is the group classified in the metal that most fans like but dislike that style. With Mastodon you feel like you are suspended and teleported in a sequential cloud of emotion that does not explode but does not collapse either. While you sharpen the senses between so many chords that drink from the stoner, sludge metal, the math and prog rock, the post rock, brutal death (at their beginnings), grunge streaks, and odd wink to the Norwegian black metal you find that hidden gem called Toe Toes that comes from the core of some great musicians who have experienced the loss of loved ones throughout their lives. Experience is a degree but also a way of being in this world. Surely the best of Mastodon is to come, thanks to that capture of harmonies that progressively opens its sound and its melodies. Let's keep running!. Don´t miss up the solo guitar fo Ancient Kingdom!

Fue realmente emocionante correr la clásica carrera Santurtzi-Bilbao surcando las olas de las notas sincopadas y el groove de una selección propia esta fantástica banda (P.O.D.) mitad madera , mitad agua con pequeñas dosis de fuego que supo como nadie incorporar el rap, el rock, la melodía, o el reggae en su propio estilo tomando reminiscencias de bandas como Helmet, Suicidal Tendencies o Rage Against de The Machine con un positivo mensaje sobre el espíritu del ser humano. Correr con ellos los casi 16 km era como ir bailando mientras tarareaba los contagiosos estribillos de canciones como Alive, Condescending, Teachers, o Circles. If it wasn´t for you, Higher o Set It Off sitúan tu mente mientras avanzas en un estado de expansión y superación que tiene mucho que ver con la propia naturaleza del Universo. Su música ofrece espacios para recrear la imaginación para sintonizar tu ritmo de zancada o para serpentear las curvas del recorrido. Dicen que para ser feliz hay 3 ingredientes básicos: no tener expectativas, crecer y progresar (expansión de la conciencia, de la salud, de lo que quieras) y ayudar a otros dando lo mejor de ti mismo en el momento presente sin emociones o pensamientos negativos que canciones como Freedom fighters, Find my way, This time o Change The world te aportan.

It was really exciting to run the classic Santurtzi-Bilbao race through the syncopated waves of the notes and the groove of a selection of this fantastic band (P.O.D) half wood, half water with small doses of fire that knew how to mix rap, rock, melody, or reggae in their own style. reminiscences of bands like Helmet, Suicidal Tendencies or Rage Against by The Machine with a positive message about the spirit of the human being. Running with them almost 16 km was like dancing while humming the infectious choruses of songs like Alive, Condescending, Teachers, or Circles. Higher or Set It Off set up your mind while you go on in a state of expansion and overcoming that has a lot to do with the nature itself of the Universe. Their music offers spaces to recreate your imagination to tune your rhythm of stride or to wind the curves of the route. They say that there are 3 primary and basic ingredients to be happy: not having expectations, growing and progressing (expansion of consciousness, health, whatever you want) and helping others giving the best of you in the present moment without negative emotions or thoughts that songs like Freedom fighters, Find my way, This time or Change The world give you.

Este es uno de los discos que mejor integra yin y yang y será un gran aliado para tus carreras matutinas correr. Esta banda recoge temáticas relacionadas con la naturaleza y el crecimiento espiritual para hilar su música. Cada canción es parte de una gran canción ya que entre ellas comparten armonías y vibraciones. Las guitarras repican en secuencias perfectamente ensambladas para hacer que cada zancada vaya sincronizada y te dará aliento con sus percusiones inteligentes y profundamente rítmicas y el tapping para elevar tu moral, resistencia, motivación y espíritu de superación. Las canciones fluyen entre la intensidad y la suavidad sin discontinuidades. Para mí el disco perfecto para correr 10km. En cada carrera y escucha irás descubriendo nuevos aspectos de ti mismo, de tu parte física, emocional y mental.

This is one of the discs that best integrates yin and yang and will be a great partner for your morning running races. This band collect topics related to nature and spiritual growth to spin their music. Each song is part of a great song since they share harmonies and vibrations among them. The guitars crush in perfectly assembled sequences to make each stride synchronized and will give you breath with its intelligent and deeply rhythmic percussions and tapping to raise your morale, endurance, motivation and spirit of overcoming. The songs flow between intensity and smoothness without discontinuities. For me the perfect disc to run 10km. In each race and listening you will discover new aspects of yourself, your physical, emotional and mental part.